Núria Güell es una artista catalana que destaca, a través de su producción artística, cómo los dispositivos de poder afectan a nuestra subjetividad, sometiéndola a través del derecho y la moral hegemónica. Utiliza las plataformas y estructuras del arte contemporáneo para cuestionar las relaciones del (y con el) poder y los privilegios. 

El Mercado de las Flores

La Feria de las Flores se constituye como un recorrido a través de las obras de Fernando Botero, escultor y pintor colombiano, expuestas en la colección permanente del Museo de Antioquia, el más importante de la ciudad de Medellín.

Directa y concisa, Núria Güell propone una serie de visitas guiadas a la sección del artista paisa, dirigidas por menores de edad que comparten su condición de víctimas de la explotación sexual en Medellín, con un promedio de edad de entre 12 y 17 años. Estas nuevas guías, nos transportan a través de sus relatos y de sus propias vivencias traumáticas, generando una nueva lectura de las obras de Botero en las que el artista representó el cuerpo femenino.

En su día, Botero hizo una donación al Museo de Antioquia de 137 de sus obras obras, además de un fondo de un millón de dólares y 23 esculturas, permitiendo así que Medellín se enriqueciera culturalmente pudiendo situarse en el ranking internacional de destinos turísticos culturales a visitar.

Este incremento del turismo, sin embargo, también favoreció un mercado oscuro: la cosificación de la mujer a través de una de sus experiencias más brutales, la explotación sexual infantil. En las calles de Medellín se pone a disposición de los turistas occidentales –fundamentalmente de EE.UU., España, Israel, Alemania y México– diversos catálogos de venta de virginidades a través de los cuales seleccionan a la niña o niño cuya virginidad quieren comprar.

Tal y como reconoce la artista gerundense, el proyecto invita, mediante la confrontación de estas dos realidades, a realizar una revisión crítica de la mirada patriarcal y sexista dominante en la Historia del Arte.​

“Al principio me daba miedo decirle a otras personas lo que me sucedió, contar mi historia a través de unos cuadros, y yo además nunca había venido acá… Yo nunca había visto un cuadro. Yo creía que un cuadro era un mamarracho, y explicar eso, iba a llevar muchas complicaciones, que me iban a juzgar, que ya nadie me iba a hablar…”

Testimonio de una de las guías

“Mi cabeza da muchas vueltas en ese momento. Porque, en realidad, contar la vida personal a personas que ni siquiera conocemos, o tal vez que te van a juzgar, o que no te van a querer volver a ver, o te van a mirar feo toda la vida, es muy duro.”

 Testimonio de otra de las guías

Fragmento del video El Mercado de las Flores. © Cortesía de Núria Güell.
+ info del trabajo de Núria Güell: www.nuriaguell.net

Empecé a sentirme muy familiarizada y cercana con todo lo que la sala desprendía, las palabras que nacían de los dibujos, los mapas, las cartografías y las rayas en las paredes. Gonzalo Elvira, artista de la muestra, recoge y desarrolla en forma de constelación tres conceptos principales, entre otros, que  resaltan por su aludir eterno, por los significados que desencadenan y por cómo se han utilizado y desarrollado a lo largo de la historia. Estos son: el tiempo, la identidad y la memoria. Conceptos base que fundamentan al ser y en consiguiente, a lo que les rodea, y que de alguna manera siempre van de la mano.

El protagonista, al que Elvira vuelve a dar vida hoy y que enlaza toda la exposición, es el anarquista ucraniano-argentino Simon Radowtzky. Todo empieza en 1909, con una brutal represión policial por los sucesos de la Semana Roja en Buenos Aires. Radowtzky atentó contra el jefe de policía Ramón Lorenzo Falcón, por lo que nuestro protagonista fue condenado a reclusión perpetua en la conocida Prisión de Ushuaia.

Estoy segura de que aunque para algunos el tema de la muestra les puede resultar distante, no ocurre lo mismo con el fondo, especialmente en los días que se están viviendo en la ciudad de Barcelona y todos los pueblos y ciudades del resto de Cataluña.

Exposición y momento contemporáneo se unen para volver a conectar con un pasado estrangulador que parece no haberse ido del todo, si es que alguna vez lo hizo realmente.

Los viajes de Radowtzky, sus acciones y los frutos de éstas quedan dibujados en forma de biografía en las paredes de La Virreina, como si se tratase de un archivo, mediante números, siglas y líneas que juegan con el paso del tiempo, como si se tratara de un deslizamiento constante dentro de un prisma transitorio del cual a uno le cuesta salir.

Nos da a conocer, mediante su lupa clínica y expresión detallística de cada línea, una retrospección hacia el pasado. Dibujos sobre mapas de la memoria que abarcan  toda expansión geográfica cultural, unidos por cada territorio, fronteras, rutas y más desplazamientos. Trasladandonos así, hacia una nueva categoría de espacio. ¿Un espacio físico o inmaterial? Podríamos pensar que la vida de Simon Radowtzky es una metáfora sobre lo que realmente nos une o nos forma. Su imagen sobre toda frontera y sobre cualquier línea que delimita espacios, me hace pensar en una de las frases célebres del escritor checo Franz Kafka: “Yo no soy del castillo; yo no soy de fuera del castillo; yo no soy de ninguna parte”. Es por eso que en estas imágenes que Gonzalo Elvira nos brinda, no sólo se traspasan límites o contornos separados por orillas, sino que va más allá, hacia una raíz más profunda que está por encima de cualquier confín.

Líneas que a través de signos repetitivos y mímicos, como si se tratase de una doble melodía, nos transmiten de forma encriptada las presencias y los vacíos que se crean en todo papel dibujado por el artista. Como si todos aquellos cuerpos que una vez fueron, quedaran hoy en el más puro sigilo. Aún así, estos mínimos gestos, persisten y  dan luz a lo que parece que se va, pero nunca del todo. La fragilidad de cada trazo que Gonzalo Elvira evoca en el papel, es la fuerza con la que el recuerdo atraca en la vida dentro de cada uno y por ende, la narración de Simón Radowitzky se vuelve metáfora. Gestos que ya no son sólo líneas que dibujan o desdibujan un rostro, sino que su presencia viaja más allá, en este caso hacia una resistencia al totalitarismo.

Expandir e iluminar, son algunos aspectos que están presentes aquí. Una forma de comprender o percibir el pasado y futuro de una forma conjunta. El alumbrar de algunas obras de Gonzalo Elvira dan una nueva perspectiva de las ruinas, de lo que fue, hacia una nueva línea de fuga. Dibujos que aparentan desvanecerse, pero cuyos contornos y vacíos irradian destellos de luminiscencia para, así, convertirse en imágenes atemporales, ya que cada mensaje dentro de cada obra ha sido transmitido dentro de una caja blindada durante tantos años que ni me atrevo a nombrar. Así pues, nunca pueden morir.

Toda esta narración emana de unas manos que no han vivido esos años ni recorrido los mismos pasos que el protagonista, para poder dar a luz a todas este trabajo. Estos viajes dibujados a mano, surgen desde la post-memoria, vivencias que no se han experimentado en primera persona pero que se dan allí donde reside algo que es necesario volver a contar o mostrar de forma distinta.

Gonzalo Elvira pone sobre la mesa una cuestión muy importante y es que, aunque pasen los años y aparentemente todo avance, hay valores y fundamentos base que son manipulados según el lado del que se escriba la canción; quién escribe y de qué lado lo hace son la melodía que va a resonar a la persona que esté decidida a escuchar de verdad, desde otra voz.

El artista rescata partes de una historia que podrían haberse quedado en el olvido o enterradas para que luego, otros sucesos, evidenciaran que todo aquello que enterramos en la arena, el tiempo nos acaba devolviendo con una oleada de valores que una vez decidimos ignorar. Es por eso que hablo de doble melodía, porqué quizá no fue necesario estar allí para poder hablar hoy de todo aquello que uno decide que es importante salvaguardar del lastre del tiempo y darles una iluminación eterna. Su voz, su historia y la de Simón Radowtzky quedan entrelazadas para revelarnos otra verdad.

Una história se vuelve a contar a través de la repetición, como si se estuviera reescribiendo constantemente el mismo capítulo. Un ir y venir de aquel suceso. En este encuentro de diferentes temporalidades se alcanza la delicada melodía de lo particular con la multiplicidad.

Recupero lo que me hizo entrar a esta exposición y que significó otro viaje más dentro de los caminos que como sociedad aún estamos recorriendo y que nos queda por andar. El silencio.

Una melodía no termina en un silencio, es donde empieza, y es entonces cuando aparece la imagen en la cámara oscura de nuestra conciencia.

El relato de toda esta sala se ha situado a puerta abierta, en el que afloran trayectorias. Como si en aquel espacio no hubiera desplazamiento o dirección alguna, pero aun así, se sabe con claridad donde se habita. O dicho de otro modo, como habita uno para luego poder construïr una narración sobre una história. Y es aquí, desde un silencio ensordecedor donde se hace vigente la presencia más fuerte de todas.

Vista de la exposición La balada de Simón, de Gonzalo Elvira en La Virreina, 2017.

Vista de la exposición La balada de Simón, de Gonzalo Elvira en La Virreina, 2017.

La charla estuvo marcada por diferentes vertientes, como por ejemplo la idea del trabajo, la fábrica, y el fetichismo de la mercancía –es decir, como ponemos valor a algo dentro de un mercado–. Para que esto ocurra, el objetivo debe ser rentable y que al mismo tiempo sea socialmente viable, todo realizado a través de un determinado rol. Esta pequeña argumentación nos llevó a plantearnos, por tanto, qué significa ser bueno en el mercado. Por otra parte, se recuperaron lemas como: “La imaginación al poder”, aludiendo a la muerte de la sociedad de consumo y a la disolución de la sociedad de clases. Se apuntó también el deseo situacionista de romper con la cotidianidad y abrir espacio a nuestra experiencia, referente a ello se mencionaron diferentes técnicas situacionistas como por ejemplo la dérive o el détournement. Finalmente se puso en contexto la sociedad del espectáculo, las industrias culturales y cómo las relaciones sociales lo hacen posible.

Podrán parecer inconexas todas las referencias que hoy escribiré ya que en el debate se tocaron muchos temas, conceptos e ideas que  son dignas de ser escritas en forma de grito, pero me centraré en algunos de los puntos de los cuales puedo hablar con voz propia, aportando mi experiencia personal de años atrás y de vivencias actuales desde que en mi entorno el arte es un punto detonante. Como acabo de mencionar, las ideas pueden parecer aisladas del título o de la primera introducción escrita, sin embargo, cuando profundizamos en el conocimiento de nuestras historias y las escribimos en relación a lo hablado, aunque las ocurrencias del pasado se nos antojen lejanas –incluso, según como, intangibles–, algo queda intacto junto con lo sucedido: un cierto tipo de enlace. O simplemente una se da cuenta que sus relatos no están encerrados en sí misma. Así que sin más preámbulos, empezaré.

Si algo me marcó, fue el canto a la poesía que se dio ese día para hablar sobre el valor del tiempo, del amor y de la libertad. Resulta muy fácil y cómodo adaptarnos a los cambios dictaminados. Muchos incluso, lo consideran como un valor positivo, un arma de supervivencia: sólo quien posee la habilidad de adaptarse como el agua es capaz de seguir viviendo en estos periodos y adaptarse a lo que pueda venir.

Pero, ¿es acaso eso lo que buscamos o lo que necesitamos? ¿No anhelamos algo que se nos intuye en el interior pero como algo etéreo? Quizá, en una sociedad como la de hoy, ser agua significa ahogarse dentro de unas normas establecidas y fluir siempre dentro de los mismos ríos, que no tienen por qué desembocar en nuevos espacios.

Nadar dentro del mismo estanque cerrado. Con la inyección de algún que otro poeta. Como por ejemplo, las frases de Fernando Pessoa, escritor portugués. Dentro de sus mensajes se entonaron algunos diálogos. Pese a que no se aludió explícitamente la siguiente frase, la mayoría de los temas giraban entorno a ella: “Primero sé libre; después pide la libertad”.  Enunciados que resuenan en un eco profundo: “la primera revolución es la de dentro” escribe Pessoa. Si hay alguna afirmación que subyace a todas las demás es la importancia de la subjetividad. La subjetividad como elemento revolucionario, cómo desde el interior hacia afuera podemos cambiar las cosas.

Todo es la actitud que tiene un sujeto frente a lo que ve, cómo creamos las propias situaciones y el valor de las cosas. Eso nos define como individuos: la manera como decidimos actuar. Por esta misma continuidad, es un buen momento para mencionar una de las obras más conocidas del artista Marcel Duchamp, también comentado durante la charla, Fountain, uno de sus ready-made más famosos. Esta pieza consta de un urinario expuesto del revés, en su momento exhibido en Nueva York. Una obra realizada con objetos cotidianos que normalmente no calificariamos de artísticos, y menos en su época. Con este giro se hizo énfasis o se quiso desvelar de alguna forma que la significación y el valor se desencadenan mediante el acto. La elección de cómo elegimos proceder es lo que transforma, en este caso, un objeto de fontanería en una obra, creando así un nuevo pensamiento para el objeto. Y digo que es un buen ejemplo ya que, mediante el arte, se puso acento en romper con algo lineal, provocando una quiebra del determinismo, experimentando otra forma de ver y de estar en el mundo. Cómo con un gesto tan simple –coger un objeto y quitarlo de su contexto– se llegan a actualizar nuevos imaginarios: se trata de un signo revolucionario. Volviendo otra vez a la frase del poeta portugués se nos presenta principalmente como una propagación de abrir espacios de nuestra propia experiencia.

Otro de los poetas mencionados ese día, que comparte el discurso de la subjetividad y la fe en ella para cambiar, es Raoul Vaneigem con su canto a la poesía y al placer compartido. Me gusta citar a poetas que con su trabajo han llevado a cabo una revolución que a día de hoy sigue resonando, ya que como le dijo una vez Juan Ramón Jiménez a Ida Vitale, también poeta, “lo mejor que puedes hacer es escribir y guardar. Guardar en un cajón y sacarlo con el tiempo”.

Con todo esto, y retomando la idea de abrir nuevos espacios a la experiencia rompiendo con la horizontalidad, haré reseña al espacio vacío que se ha creado dentro de la cultura, como algo hermético y  banal: el museo. Actualmente la cultura provoca en nosotros que como espectadores seamos pasivos.

Ya habla de esto Jacques Rancière en El espectador emancipado. ¿Por qué ahora los museos, galerías de cubo blanco, a no ser que seas del entorno del Mundo del arte nada nos llama a abrir sus puertas? ¿Dónde está el punto que nos mantiene activos frente a algo? Aquí es donde considero que el arte tiene uno de sus papeles más importantes, el de llevar a la deriva, el de como se ha mencionado antes, romper para reapropiarse de la cultura y de la revolución para así quebrar con el museo como institución hermética fuera del alcance de la sociedad. Para ello explicaré un par de casos. Del primero pude ser partícipe hace unos tres años en las calles de Barcelona. El otro fue durante este verano en Viena, en uno de sus grandes museos, el Leopold Museum.

Estos dos ejemplos me servirán para explicar cómo se corta un “in between” entendido como espacio donde no ocurre nada aparentemente, y que mediante la acción, como he explicado antes, se abren nuevas experiencias que aportan registros de complejidad que creíamos olvidados en el pasado.

La hora del té. Así titulamos el proyecto de intervención en el espacio público junto con unas compañeras. El objetivo del trabajo consistía en irrumpir los lugares de paso de Barcelona, donde todo el mundo se encuentra en un momento, comparten un tiempo y un espacio pero sólo transitan. Localizamos algunas de esas zonas, como el paseo del Arco del Triunfo, la plaza de Sant Jaume, las Ramblas, entre otros. Al llegar a cada uno de esos destinos, colocamos en el centro de la calle o plaza, una mesa con unas cuantas tazas de té o café e invitamos a la gente que quisiera a unirse a nosotras. Fue una gran sorpresa ver cómo mucha gente respondió acercándose, hablándonos sobre sus vidas, explicándonos porqué estaban en Barcelona, qué hacían allí, a dónde se dirigían. Incluso vino algún que otro policía, alguno para advertirnos y otros para tomar café y hablar de arte. Mediante este cruce incómodo, llegamos a modificar un punto dentro de la función del ambiente, aunque sólo fuese por unas horas. Las relaciones sociales son las que hacen posible este cambio.

Por otra parte, este verano visité el Leopold Museum en Viena, donde disponen de la colección más importante de obras de Egon Schiele, junto con otros artistas como Gustav Klimt, y, para mi sorpresa, pude presenciar algo que me sorprendió en un lugar como ese.

Me encontraba paseando por uno de sus salones cuando avisté a un hombre tumbado en el suelo retorciéndose y moviéndose con tal lentitud y delicadeza contra el suelo y pared que me recordaron totalmente a las pinturas de Schiele. Era como ver uno de sus dibujos en vivo y en movimiento. Además, la figura se parecía extraordinariamente a los personajes creados por el artista. Fue un punto totalmente chocante, pude ver como diferentes personas se acercaban al guardia de aquella sala, algunos preguntando qué estaba ocurriendo y otros indicando que alguien poco decente se había colado dentro del museo.

Por tanto, las prácticas artísticas pueden cambiar las cosas desde la experiencia individual, quizá no de una forma evidente dentro de la política o la sociedad, pero todo lo que nos produce un toque de atención dentro de nosotros que puede cambiarnos y provocar un nuevo orden de las cosas, son susceptibles de ser cambiadas desde fuera. La posibilidad existe. Parálisis o rebeldía. Generar recepción al diálogo, la posibilidad de transformación de la sensibilidad y el conocimiento de otras realidades. Lo más importante no es lo que dices, sino cómo lo dices –si es que ambas cosas se pueden separar–. Aquí es donde el arte debe ser un punto a favor a toda esta marea.

Y aprovechando que he mencionado a Egon Schiele, recupero uno de sus escritos, del periodo que estuvo entre rejas: “El Arte no puede ser moderno, el Arte es eterno.”

Fotografía tomada por la autora durante una performance en el Leopold Museum de Viena el pasado verano © Aina Dorda, 2016

Joan Fontcuberta es un artista internacional, fotógrafo, profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y en la Universidad de Harvard de Cambridge. Sus obras cumplen con a una representación crítica de la realidad fotográfica a través de la imagen y su contexto. A la vez, el espectador mantiene una relación interactiva con sus trabajos.

Uno no se queda indiferente tras la lectura del artículo “Manifiesto Posfotográfico”; como bien dice el autor, actualmente asistimos a una revolución fotográfica sin precedentes, que dejan al aire una retahíla de preguntas cuyas respuestas (si es que hay alguna respuesta definitiva), son, en mi opinión, aún susceptibles de ser transformadas, ya que aún se vive en este contexto. Aunque considero que en este caso, como en la mayoría de situaciones, es mejor seguir provocando preguntas que buscar respuestas concretas. Cuestiones como: ¿Quién es hoy el fotógrafo? ¿Cuáles son sus usos o cómo se utilizan y circulan?

Para tal introducción, Joan Fontcuberta nos habla sobre el síndrome de Hong Kong, el cual explica que hubo ocho fotógrafos de plantilla, que cubrían la información local de uno de los principales periódicos de la ciudad, que fueron despedidos y suplantados por un colectivo de repartidores de pizzas con cámaras digitales, por la misma empresa. ¿Cómo puede ser que profesionales de la cámara sean substituidos por repartidores de pizza? A lo que él responde con mucha claridad y sensatez, que la decisión empresarial consistía en la agilidad. Me explico: los repartidores de pizza tienen una habilidad de la que los fotógrafos carecen en este caso, el dinamismo y rapidez del desplazamiento en la ciudad. De esta forma la imagen es captada con más velocidad y ésto, a la vez, significa llegar a tiempo a la noticia. Es aquí donde aparece el ciudadano-fotógrafo, que conlleva un cambio de canon fotoperiodístico, como bien señala Fontcuberta. Todo esto implica una reinvención del panorama fotográfico, donde el apresuramiento, la prontitud o rapidez prevalece ante el refinamiento de la imagen, del instante decisivo, ya que estamos incitados a los efectos de una lucha continua con los mercados. En otras palabras, se está dando paso a un entorno sociocultural donde la urgencia de la imagen está por encima de sus propias cualidades.

No es de extrañar pues, que vivamos en una masificación de imágenes que viene dado por la masificación de cámaras de todo tipo, ya no solo las que disponemos en nuestros propios hogares o en un entorno más cercano o familiar, sino otros como cámaras web, Google Street View y artefactos de vigilancia, un panóptico en toda regla, donde todo esto nos sumerge en un mundo saturado de imágenes.

Es así como, ahora, la fotografía está al alcance de todo el mundo, ya sea para poder producirla o obtenerla, dejando ya de ser dominio de artistas, especialistas o profesionales. Se ha creado un nuevo lenguaje. Por otra parte, cabe mencionar cómo hacemos uso de estas cámaras y en qué tipo de contextos; por ejemplo, en la lectura Joan Fontcuberta nos expone dos casos bien distintos, los dos entendidos como espectáculos de masas pero con fines muy alejados el uno del otro. El primero, es un concierto de Lady Gaga donde la imagen que nos enseña es la cantante rodeada de sus fans con cámaras: aquí la fotografía ya no se utiliza como herramienta documental, sino celebratoria, ya no hay símbolos de la era analógica cómo velas ni otro tipo de símbolos, sino que sólo aparecen las cámaras.

El segundo consiste en una serie de tres fotografías de manifestantes tomando fotos con móviles de disturbios, protestas y atentados en Irán; aquí, cómo bien señala el autor, ya no se tiran piedras sino que lo único que se tiran son fotos, otra forma de acreditar poder y fortaleza.

Es importante señalar que, en ambos casos, hemos pasado del “esto ha sido” de Diane Arbus al “yo he estado ahí”. Sólo que en el primer caso, como señala el mismo autor, se añade “y además lo pasé muy bien” y en el segundo “y lo pasé muy mal”.

La tecnología digital que progresa dentro del campo de la fotografía supone un punto y aparte en el mundo de la comunicación y de nuestras vidas. Donde ahora somos testigos de una circulación vertiginosa de imágenes por redes sociales. Como bien he mencionado antes, actualmente vivimos con dispositivos y aparatos que nos vigilan y a la vez, nos permite hacer uso o ver a través de ellas y por si fuera poco, la investigación, la rama científica, embiste de una forma vertiginosa y ayuda a este desarrollo donde exploran los mecanismos de la imagen, como por ejemplo, monitorizar la actividad mental, emocional y poder extraer imágenes de ella. Dicho de otra manera, poder codificar las emociones, acceder a la percepción visual del otro. Años atrás, muchos de estos descubrimientos actuales eran impensables. Por otra parte, es innegable que hoy internet y sus portales disponen de una circulación de imágenes por doquier, que implica una nueva visión; todo esto es lo que hoy nos conecta al mundo. Y en esta nueva percepcion de la realidad, ya no deseamos conocer, sino reconocer, hoy ya no es tan importante quién aprieta el botón sino quien hace el resto, quién gestiona y pone valor a la vida de esa imagen.

Conocer de quién es el mérito o quién ha manejado todos los hilos me lleva a poder relacionar este punto con el teatro negro de Praga (černé divadlo) pero en este caso por el sentido contrario que éste supone. En el teatro negro puedes ver lo que ocurre en el escenario, la puesta en escena y no quién es movido por quién o qué es movido por quién. Lo importante es el mensaje que se da y no quién lo da. Por tanto, esto se puede resumir en que ahora, la persona es identificada con la imagen, y eso no deja de ser una faceta de nosotros mismos que decidimos mostrar frente a un público (donde la mayoría es gente desconocida). Como bien señala Fontcuberta, “el turno del baile de máscaras”.

Me gustaría poder terminar con los dos últimos ejemplos que pone el autor en el artículo, donde señala las fotografías que produce la actriz Demi Moore y el antiguo presidente de la Generalitat de Catalunya, Pasqual Maragall. En el primer caso, la actriz se fotografía periódicamente en ropa interior, frente al espejo de un cuarto de baño, para luego colgarlas en Twitter para sus fans creando así estereotipos de belleza. En el caso de Pasqual Maragall, se autorretrata con su móvil frente al espejo; esta vez el uso de la imagen es bien distinta a la anterior: se trata de constatar los cambios que ha sufrido debido al Alzheimer. Mirarse y reinventarse, mirarse y no reconocerse.

“Las fotos ya no recogen recuerdos para guardar, sino mensajes para enviar e intercambiar”. Volvemos así al autorretrato, un concepto siempre vigente, pero cambiante, aunque de forma antagónica nos queramos mostrar con nuestra forma más sincera, siempre ocultamos otras muchas partes, una puesta en escena implica sacarse a bailar con una máscara, otra declaración de la posfotografía.

Fotografía tomada por la autora de una fotocopia del original de Joan Fontcuberta publicado en el número 464 de “cultura/s” de La Vanguardia.