Construir la propia soberanía sobre la memoria del colonialismo
(Daniela Ortiz + Xose Quiroga: ‘Estat-Nació – Part I’ en Àngels Barcelona) 

La producción artística de Daniela Ortiz y Xose Quiroga es activismo político en estado puro. Su último trabajo se puede ver actualmente en la galería Àngels Barcelona y pone en el punto de mira la ausencia de cuestionamiento del pasado colonial en la historia de Cataluña dentro del proceso de construcción de una soberanía nacional. Estat-Nació, Part I constituye una mirada crítica hacia el intento de reforzar la identidad catalana a través de la recuperación de ciertos personajes históricos ligados al colonialismo de España y mediante la utilización de discursos, leyes y normas que implican a la población no reconocida como ciudadana.

El proyecto parte del análisis del monumento a Cristóbal Colón que hay al final de las Ramblas de Barcelona, uno de los iconos urbanísticos de la ciudad que incluye, en su base, representaciones de los diferentes poderes coloniales en actitud de dominación hacia la población indígena. Durante la cadena humana por la independencia de Cataluña que se celebró el pasado 11 de septiembre de 2013, Daniela Ortiz y Xose Quiroga entrevistaron a varios participantes en la acción alrededor de monumentos que conmemoran a figuras históricas relacionadas con estos procesos actualmente en pie en Barcelona. Les preguntaban si creían que esos homenajes deberían conservarse en una Cataluña independiente y, aunque hay respuestas de todo tipo, gran parte de los encuestados o bien no conocían ese dato o no les parecía mal que se mantuvieran esas conmemoraciones, puesto que se trata de personajes importantes para la historia del país.

El vídeo que recoge esta acción, titulado cc13 e incluido en la exposición en Àngels (ver más abajo), se completa con una serie de fotografías de las estatuas y placas conmemorativas que aún hoy honran en Barcelona a personajes directamente vinculados al colonialismo y al esclavismo como el Virrei Amat, Joan Güell, Valeriano Weyler, Antonio López o el General Prim –autor, entre otras cosas, del Código Negro, documento que permitía la represión sin juicio previo de cualquier revuelta de los esclavos, del que se celebra el bicentenario de su nacimiento este 2014, con una serie de actos financiados en parte por La Caixa. Por supuesto que estos políticos y militares fundaron algunas de las instituciones más importantes de la Cataluña de aquel momento (como por ejemplo el Banco Hispano Colonial o el Cercle Hispano Ultramarí de Barcelona, hoy Ateneu de Barcelona, sede del lobby antiabolicionista en su origen), pero lo hicieron para defender unos intereses económicos en América basados en gran medida en el esclavismo y en la represión de la población autóctona.

La segunda sala de la exposición consiste en una revisión de discursos de políticos catalanes en torno a políticas de migración tales como los procesos de legalización de inmigrantes en situación de irregularidad burocrática o la utilización de la cultura y, particularmente, de la lengua catalanas como exigencias en este tipo de trámites. Daniela Ortiz y Xose Quiroga organizaron una clase de catalán para inmigrantes extracomunitarios (hay que resaltar que sólo a esta parte de la población foránea residente en Cataluña se le exige el conocimiento de este idioma) en la que el material de estudio eran precisamente fragmentos de discursos del alcalde Trias, de Duran i Lleida o Mercè Homs, entre otros, en los que se hace patente el racismo implícito de muchas de estas medidas de regularización, ya que se ceban en la población más vulnerable y acaban constituyendo un mecanismo de exclusión basado en una idea de legalidad construida precisamente para poner trabas a la entrada de migrantes de origen colonial.

Estat – Nació, Part I no es una crítica a la lucha por la independencia de Cataluña, sino una llamada de atención acerca de las estrategias que se están siguiendo para reforzar la identidad catalana y que dan una cierta idea del tipo de estado que se quiere conseguir. ¿Es éste uno fundamentado en el enaltecimiento de figuras ligadas al esclavismo y el desprecio a la población indígena de las tierras sometidas durante la época colonial, tal y como es el Estado español, que tiene como fiesta nacional el 12 de octubre, conmemorando el descubrimiento y conquista de América? ¿Uno que adopta las leyes de extranjería y las normativas que afectan a los derechos y las libertades de la población migrante del país del que se quiere independizar sin cuestionarlas?

Con este proyecto, Ortiz y Quiroga dan una nueva vuelta de tuerca a una práctica artística siempre vinculada a la crítica social y centrada en dar visibilidad a los residuos del colonialismo en la actualidad, especialmente en aquellos que están directamente relacionados con la construcción de la memoria histórica. Estat-Nació, Part I plantea una mirada crítica sobre la construcción de una soberanía catalana sin cuestionar un pasado del que no habría que sentirse orgulloso y con ello se adentra en el terreno del activismo político, reclamando una revisión de las figuras históricas que queremos que nos representen y la creación de unas políticas relativas a la inmigración más justas y respetuosas con la población más vulnerable. Se trata, pues, de un proyecto que cuestiona la propia estructura política del estado-nación en tanto que mecanismo de control y, a la vez, de exclusión.

↑ CC13 de Daniela Ortiz + Xose Quiroga, incluido en la exposición.

↑ Vista de la exposición | © Daniela Ortiz + Xose Quiroga – Àngels Barcelona

↑ Vista de la exposición | © Daniela Ortiz + Xose Quiroga – Àngels Barcelona

↑ Vista de la exposición | © Daniela Ortiz + Xose Quiroga – Àngels Barcelona

Estimada Glòria:

Me gustaría empezar estas Cartas Cruzadas comentando algunas de las ideas que se plantearon en la presentación del número 5 de la revista Situaciones y sobre todo centrarme, aunque sea brevemente, en uno de los casos concretos que yo creo que ha monopolizado, desde un punto de vista de la actualidad artística digamos “institucional”, el final del año pasado, 2012. La presentación tuvo lugar, precisamente, el día después de las últimas elecciones catalanas en las que las aspiraciones de la coalición CiU a una total hegemonía en el proceso soberanista al que estamos asistiendo, sufrieron un serio retroceso. En ese sentido, era inevitable que gran parte del debate se centrara en ese punto, pese a que el acto de presentación tenía un fuerte componente poético con la participación de Alexandre Tornabell y del poeta Antonio Crespo Massieu, que vino expresamente desde Madrid y leyó un fragmento de su espléndido libro “Elegía en Port Bou”

El primero de los casos que se trataron, además de comentar otros como el de la eliminación de las funciones principales del Conca (organismo independiente de distribución de las subvenciones culturales) que le convierte en un organismo inútil, se centró en el cierre o la “reorientación” (que es como lo dicen ahora) de Can Xalant, el centro de producción artística de Mataró. Quizá sea en este caso en el que las características de la política cultural de nuestros gobernantes se vean más claras, en las contradicciones entre lo que dicen y lo que realmente pretenden. La principal excusa para el cierre de Can Xalant, que con un presupuesto mínimo había alcanzado un  nivel de reconocimiento internacional, ha sido económica. Ante el retraso en la llegada de la subvención por parte de la Generalitat, el Ayuntamiento optó por retirar su  parte y acabar de esa manera con la continuidad del centro. Estamos en crisis y no hay dinero. Eso todo el mundo lo entiende y además hay otras prioridades sociales más importantes. Evidentemente, lo que no dicen es que en la misma ciudad de Mataró hay otra institución artística que recibe también subvención del Ayuntamiento, y que la seguirá recibiendo, como es la sede de la Fundación Bassat. La subvención a esta colección de arte privada casi triplicaba a la de Can Xalant y simplemente se trata de exhibir con fondos públicos una colección  privada de no demasiado interés. Detrás de la excusa económica, lo que se esconde es una lucha en contra del pensamiento crítico que se practicaba en Can Xalant. Como en los demás casos, detrás de los “recortes” se esconden posicionamientos ideológicos y políticos que es necesario sacar a la luz. Es evidente que este caso no es sólo achacable a la miopía y a la ignorancia cultural de los gobernantes conservadores, sino que también responde a una determinada concepción de la cultura en general y de la cultura artística en particular. En este caso se hace una opción absolutamente clara de eliminación de la cultura artística como discusión permanente, como búsqueda de nuevos sentidos,  como relación entre las diferentes individualidades que buscan un sentido común en base al diálogo y a la discusión crítica de la realidad, a favor de una visión del arte de carácter completamente pasivo, absolutamente individual, acrítica, de aceptación de un canon estético e historiográfico impuesto y elaborada para mayor gloria de los intereses económicos de un coleccionista privado y que además, según ellos, atrae a mas espectadores.

Realmente es una lástima que las autoridades conservadoras (reaccionarias, más bien) en su torpeza o mala fe hayan eliminado Can Xalant porque no conozco otro centro que con menor inversión hubiera alcanzado una dimensión internacional tan importante. En ese sentido, el intercambio de capital simbólico por capital económico, del que hablaba Bourdieu, era enormemente beneficioso para el Ayuntamiento de Mataró.  Nunca un centro artístico de una ciudad pequeña había alcanzado un prestigio parecido, pero aunque seguramente fueran conscientes de ello, han preferido “reorientarlo” porque les molestaba el pensamiento crítico que lo sostenía.

También se plantearon otros casos, como el del nuevo centro de arte de Barcelona pero lo podemos dejar para la siguiente carta.

Un abrazo.

Antonio Ontañón

· · · · · · · · · ·

Estimado Antonio:

En tu carta apuntas a las contradicciones entre lo que dicen y lo que realmente pretenden los políticos de nuestro país en materia de cultura. Permíteme opinar que el discurso político del actual gobierno no muestra incoherencia con sus intenciones, que son muy claras, sino con la realidad cultural del territorio que gobiernan y con lo que se entiende, desde el ámbito de las personas que se dedican a ello, que tienen que ser las funciones de la cultura.

El equipo político de tinte conservador que gobierna actualmente en Catalunya ha defendido siempre que una de las funciones que tiene la cultura es la de cohesionar la sociedad, lo que a veces se ha llamado “fer país”. En este sentido, que el Ayuntamiento de Mataró prefiera subvencionar la colección de pintura catalana del siglo XX del señor Bassat, que no es un cualquiera y que se puede entender que ha hecho mucho, con sus campañas de publicidad institucional, por la implantación y asimilación de ese discurso de la cohesión, y no las actividades de Can Xalant concuerda perfectamente con esta idea, además de casar a la perfección con la valoración de las iniciativas artísticas y culturales por sus cifras de visitantes a la que ya estamos acostumbrados todos los profesionales del sector.

A mí me preocupa particularmente esta visión de la cultura como un elemento más de ocio, como lo pueden ser el fútbol o la Fórmula 1 y otros deportes que son televisados, pero como un elemento de ocio que no es para todos, que es elitista e incluso de lujo, al que se puede aplicar el IVA más alto, mucho más alto que el de las otras propuestas de ocio. Con esta medida seguro que los museos y centros de arte no van a ganar en número de visitantes, así que la cosa está clara: la cultura no es algo por lo que valga la pena apostar seriamente, es mejor favorecer una iniciativa con un gran impacto a nivel de visibilidad y de refuerzo del discurso de la cohesión cultural y territorial, en un lugar al que la gente pueda ir a pasear y ver cosas, que no invertir en la generación de pensamiento crítico y de propuestas discursivas y artísticas que pongan en cuestión las categorías preestablecidas.

Habrá que ver qué papel se pretende atribuir, desde los círculos del poder, al nuevo centro de arte de Barcelona, si va a ser otro proyecto de propaganda política del partido que gobierne en cada momento o si va a ser un espacio independiente, de encuentro de diferentes disciplinas, medios y lenguajes, en el que reflexionar y experimentar. A este respecto cabe mencionar el debate sobre el estado de la cultura en Catalunya publicado esta semana en La Vanguardia, en el que seis directores de equipamientos culturales (teatros, festivales, museos) y profesionales de la cultura -todos hombres, por supuesto- reclaman una reforma del sistema de gestión de la cultura que incluya la definición de objetivos a largo plazo y de roles y la creación de redes de interacción entre diferentes iniciativas. Yo me pregunto si, visto que los grandes planes directriz no han acabado de dar buenos resultados, no sería mejor que reclamáramos espacios de libertad en los que llevar a cabo proyectos estimulantes que sean capaces, por sí mismos, de generar estas redes.

De todo esto podemos hablar, si tú quieres, en la próxima carta.

Un abrazo,

Glòria Guirao

Homesession empezó siendo un proyecto de residencias artísticas en casa de estos dos franceses afincados en Barcelona. El objetivo era acoger artistas internacionales por periodos cortos –normalmente de hasta un mes- y convivir con ellos durante este tiempo. Los artistas podían utilizar esta posibilidad para realizar trabajos específicamente pensados para o en la ciudad de Barcelona, pero también para alejarse de su marco de referencia habitual y continuar o comenzar proyectos nuevos. La casa en el barrio de Poble Sec daba además la posibilidad de organizar un evento de presentación del trabajo al final de la estancia, con lo que la vivienda se convertía por un tiempo en espacio abierto al público.

A parte del programa de residencias, seleccionadas siempre por portfolio en convocatoria abierta, desde principios de 2010 tiene lugar la serie Invited One Day, que consiste en eventos de un día con artistas o agentes culturales invitados por Jerôme y Olivier. Este proyecto sirve como punto de ancla con la escena local, ya que se suele contar con profesionales que residen y trabajan en la ciudad, creando una red de sinergias y contactos que resulta también interesante para los artistas residentes, ajenos al contexto barcelonés. En el marco de Invited One Day se han realizado exposiciones, performances, pases de vídeo o charlas. homesession colabora, además, con festivales como Loop o con instituciones como el Institut Français de Barcelona.

Este no es el único espacio en Barcelona que ofrece residencias a artistas que quieran realizar proyectos en la ciudad. En el Poble Nou existe también Halfhouse, gestionado por Alberto Peral y Sinéad Spelman y fundado en 2009. Con la voluntad de promover la producción artística fuera de la institución y el intercambio internacional, halfhouse pone su casa a disposición de artistas internacionales –seleccionados también por portfolio- que quieran pasar un tiempo en Barcelona. A diferencia de homesession, halfhouse ofrece una única residencia al año, de mediados de agosto a finales de septiembre, que coincide con un período en el que sus promotores están casi todo el tiempo fuera, volviendo la última semana a organizar la exposición.

↑ Evento en Halfhouse (2009).

El resto del año tienen lugar en Halfhouse otras exposiciones, presentaciones y eventos de diferente tipo, con artistas y agentes mayoritariamente locales invitados por Alberto y Sinéad. En octubre de 2012 han abierto un nuevo espacio en la zona alta de Barcelona en el que pretenden realizar muchas más actividades, entre las cuales cabe destacar un mayor número de residencias anuales, exposiciones con artistas de toda procedencia, talleres, seminarios, workshops, charlas y conferencias e incluso plantean la posibilidad de organizar una “universidad de verano” siguiendo el modelo de la que tuvo lugar en Río de Janeiro en 2011 y la asistencia a ferias.

↑ Nuevo espacio de Halfhouse en Peu del Funicular.

Homesession también ha abierto un nuevo espacio este año, en marzo y también en Poble Sec, que sirve a la vez de residencia, trabajo y exposición. Las principales diferencias que plantea este nuevo estudio con respecto a la anterior ubicación del lugar de residencia es la convivencia con los fundadores del proyecto y el hecho de que este espacio está abierto al público durante las exposiciones y sirve también de oficina. El artista sigue viéndose, pues, confrontado con la situación de vivir, trabajar y estar expuesto en un mismo lugar a diario durante su estancia en Barcelona, lo cual sirve de inspiración o de punto de partida para muchos de los proyectos que al final se exponen.

↑ Estudio Homesession durante la exposición de Lagagniere&Dufresne (julio de 2012) y planta del Estudio.

Con diferentes formas de gestión y de criterios de selección, Homesession y Halfhouse comparten la voluntad de contribuir a la escena artística local al margen de las políticas institucionales y de mercado, creando espacios de diálogo, debate y encuentro para los creativos de la ciudad de Barcelona y los que vienen de fuera a realizar proyectos o a tener un primer contacto con el panorama del arte en la ciudad. Que ambos proyectos hayan podido abrir este año nuevos espacios muestra que es posible actuar al margen y contribuir al dinamismo de una escena local muy viva que carece de espacios abiertos a otras propuestas.

Más información:

www.homesession.org
www.halfhouse.org
www.culturamas.es

↑ Ejemplar del Art Spaces Directory | ArtAsiaPacific and New Museum, 2012 | 448 páginas

Se percibe que todos los espacios incluidos en el Art Spaces Directory responden a la  misma filosofía de base sobre la que se creó el New Museum en 1977. Después de haber trabajado durante años en un gran museo y de haberse dado cuenta de la lenta capacidad de reacción ante los cambios en el arte que tienen las grandes instituciones museísticas, Marcia Tucker decidió fundar un lugar en el que dar cabida a nuevas propuestas artísticas con un tratamiento crítico y profesional no orientado al coleccionismo ni a la venta. El New Museum supuso en su momento, en Estados Unidos, un nuevo tipo de institución artística independiente en la que eran posibles el riesgo y la experimentación, sin ser un project space gestionado por artistas para su propio desarrollo y disfrute, sino con una voluntad de difundir las nuevas prácticas artísticas entre el público con la colaboración de profesionales de la crítica y del mundo académico.

Cabe decir que en Europa ya existía este modelo de espacio sin ánimo lucrativo dedicado al arte que promueve la creación a la vez que sirve como plataforma de divulgación. Los Kunstvereine, en las áreas de habla alemana (Alemania, Austria, Suiza, aunque también hay algunos ejemplos de reciente creación en otros lugares de Europa, sobre todo en los Países Bajos), responden a una tradición de promoción privada del arte y la cultura que tiene ya más de doscientos años. A pesar de ser muy diferentes unos de otros, los Kunstvereine tienen varios principios en común: acercar las nuevas corrientes artísticas al público, poner el arte más actual sobre la mesa para su discusión, proporcionar un espacio y una infraestructura adecuada a la creación y a la experimentación artística, sin preocuparse por ampliar una colección o por recibir ganancias económicas a través de ello.

El Art Spaces Directory realizado por el New Museum incluye algunos Kunstvereine y otros espacios del mismo tipo en todo el mundo. En la versión libro, se distinguen tres zonas: oriente y Australia forman la primera, el continente americano la segunda y Europa y África la tercera, siendo esta última la de mayor grosor de páginas. Se incluyen, además, seis artículos de diferentes profesionales del arte y una conversación entre Reem Fada y Christine Tohme, cofundadora de Art School Palestine y directora de Ashkal Alwan, Asociación Libanesa para las Artes Plásticas (Beirut), respectivamente. La selección de temas de los artículos introductorios resulta bastante curiosa, ya que todos tratan centros o escenas de áreas geográficas tradicionalmente periféricas, es decir fuera del panorama artístico noroccidental formado por Europa y Estados Unidos. Estos textos nos presentan los contextos asiático, latino-americano, del Próximo Oriente, de la Europa del este o del mundo árabe desde diferentes puntos de vista. Resulta muy interesante y se agradece una visión prospectiva ampliada de estas zonas y sus particularidades entorno al arte, pero deja entrever, a la vez, una especie de paternalismo hacia escenas artísticas emergentes en estos países por parte del New Museum.

En las próximas semanas, en Aproximaciones exploraremos este mapa mundial de centros de arte intentando no dejar de lado ninguna área geográfica ni ninguna tipología de proyecto. Será un viaje a través del mapa interactivo que propone el New Museum con paradas estratégicas que nos darán la oportunidad de descubrir diferentes modelos de gestión y promoción de la creación artística. Empezaremos con la zona de habla germánica para continuar con la serie iniciada con Der vierte Raum i AD, ambas iniciativas pensadas como complemento o contrapunto a instituciones artísticas consolidadas como la GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst, incluida a su vez en el Art Spaces Directory.

Zona 3: Alemania, Austria y Suiza

La GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst  es un Kunstverein con sede en Bremen, Alemania, con más de treinta años de historia que centra su programa en exposiciones individuales de artistas alemanes e internacionales al principio de sus carreras profesionales, alternando éstas con muestras de artistas ya no tan emergentes, cuya propuesta pueda servir de estímulo a la escena local. Además, shows colectivos sobre tendencias actuales y un programa de publicaciones (tanto de catálogos individuales como de obras colectivas) complementan el programa de apoyo y difusión del arte contemporáneo en Bremen. Otros Kunstvereine incluidos en el Art Spaces Directory son el de Frankfurt (Frankfurter Kunstverein, fundado en 1829), con un programa de residencias cortas para artistas y comisarios), el de Aachen (Neuer Aachener Kunstverein, 1986), el Neuer Berliner Kunstverein (Berlín, 1969) que dispone, además, de una artoteca; el de Lüneburg, de nombre Halle für Kunst Lüneburg (1999), algo más atípico, pues carece de sede oficial permanente, aunque desarrolla todas sus actividades en la ciudad del norte de Alemania de Lüneburg, y COCO Wien, o Contemporary Concerns en Viena, una asociación por el arte de más reciente creación (2008) pero con los mismos objetivos.

Otro tipo de institución típicamente alemana es el Künstlerhaus, literalmente “casa de artistas”. A menudo fundados por un colectivo de artistas, su interés principal es apoyar la creación dotando a los artistas de la infraestructura adecuada, a través de talleres, espacios de discusión y de exposición. En esta guía se incluyen dos, el Künstlerhaus Stuttgart (1978) y el Künstlerhaus Bethanien (1974), en Berlín. Ambos son reconocidos internacionalmente y disponen de un programa de residencias de entre seis meses y un año de duración, con la posibilidad de realizar una exposición colectiva de proyectos de los residentes al final, acompañados por actividades de divulgación como conferencias, pases de películas o mesas redondas con profesionales invitados.

Más allá de estas propuestas ya muy institucionalizadas en el contexto alemán, cabe destacar la inclusión en la guía de otras iniciativas independientes sin ánimo de lucro, algunas creadas por grupos de artistas y otras por comisarios o críticos de arte. La mayoría de las propuestas reseñadas tienen sede en Berlín, capital indiscutible de este tipo de proyectos en el área germana. Fundadas por artistas están arttransponder, colectivo que tiene por objetivo fomentar el trabajo interdisciplinar en grupo a través de simposios, discusiones y mesas redondas con profesionales de todos los ámbitos; berlinerpool, iniciativa de networking con servicios de asesoría para artistas, críticos y comisarios que organiza residencias y encuentros internacionales con profesionales del arte, y Wonderloch Kellerland, espacio expositivo en el seno de una vivienda privada con un satélite en Los Ángeles. Fuera de Berlín, en Lucerna (Suiza) pero también gestionado por artistas, se ha incluido Alpineum Produzentengalerie, un espacio expositivo (galería de producción le llaman) en el que se alternan las muestras de trabajos de los artífices del espacio con otros de creativos invitados.

Iniciados por comisarios y/o críticos de arte hay, en la capital alemana, Art Laboratory Berlin, un pequeño espacio dedicado a la exposición de proyectos de artistas internacionales que tengan una base interdisciplinar. Han realizado exposiciones colectivas alrededor del tema del arte y el lenguaje, el arte y la ciencia etcétera. Similar a esta iniciativa es Hermes und der Pfau, en Stuttgart, fundado en 2007 por dos comisarios devotos del arte conceptual. Realizan exposiciones, acogen proyectos curatoriales externos y colaboran regularmente con otras instituciones de Stuttgart o de otras ciudades. PROGRAM, en Berlín, explora las relaciones de la arquitectura con el arte a partir de una programación que incluye conferencias, exposiciones, pases de documentales pero también a través de una biblioteca especializada y de rutas guiadas por la ciudad y sus alrededores con la arquitectura como tema central.

Resulta muy positivo el hecho de haber mezclado en el directorio espacios ya consolidados e incluso institucionalizados con otras iniciativas más jóvenes que proponen programas alejados de los tópicos del arte contemporáneo en los que muchos de estos espacios caen. Por supuesto que se podrían haber incluido otros proyectos, pero esta es una guía que da visibilidad a un gran número de espacios de arte y que puede servir para dar pie a reseñas de escenas locales alrededor de una institución o a relacionar centros similares situados en lugares muy lejanos. No es nuestra voluntad destacar todos los centros e iniciativas que aparecen en el Art Spaces Directory, que son muchos y todos muy interesantes, por eso os invitamos, desde Aproximaciones, a explorar el mapa interactivo de la página web del New Museum y a hacernos llegar vuestras opiniones, aportaciones o peticiones para las próximas incursiones en él.

AD, como se le conoce popularmente –las siglas vienen dadas por el nombre de la calle, Am Dobben, es otro de estos espacios alternativos de exposición de arte, en el barrio culturalmente más activo de Bremen y regentado por dos estudiantes de la escuela de bellas artes. Andreas Bernhardt y Philipp Schneider se ocupan de la programación de esta sala desde hace poco más de un año y la han convertido en un lugar de referencia para los interesados en la creación más joven de la ciudad.

Se trata de un espacio especial por diferentes razones. Una de ellas es que el local que ocupa AD era anteriormente una carnicería con una vivienda en la parte trasera, como las tiendas de antaño. La propietaria del edificio es una historiadora del arte y, al jubilarse la persona que regentaba la carnicería, decidió destinar el local vacío a la exposición de arte contemporáneo, especialmente a la creación de los más jóvenes. Por esto se puso en contacto con la HfK (Hochschule für Künste) de Bremen y consiguió que la asociación de amigos de la escuela subvencionara parte del programa expositivo, a cambio de que fueran estudiantes de ésta quienes se ocuparan de las actividades de la nueva sala de exposiciones.

↑ Vista exterior de AD durante la exposición Suite / Boudoir, abril 2012

La configuración espacial del local no ha sido modificada. Así, existe aún la cámara refrigeradora –aunque sólo como habitación sin ventanas y con azulejos en suelo y paredes, y lo que era antes la tienda, con un gran escaparate. La vivienda en la parte posterior se conserva igualmente, de hecho uno de los dos responsables del espacio vive en ella, cosa que obliga a replantear la cuestión ya discutida en el artículo anterior sobre las fronteras entre lo público y lo privado en algunos espacios expositivos y en muchos proyectos artísticos actuales. Es precisamente el escaparate, la gran ventana de vidrio que separa el interior de la tienda de la calle, lo que ha dado lugar a un programa independiente de exposiciones que gira alrededor de la idea de la vitrina.

“Vitrinen” es el nombre que se le ha dado a esta serie que tiene por objetivo eliminar el horario de apertura y mostrar trabajos que se puedan ver desde la calle, aunque la sala esté cerrada al público en ese momento y sin importar lo que pase en el interior, más allá del vidrio. Así, puede ser  que el artista invitado decida transformar el escaparate en una caja cerrada, como si se tratase de una vitrina de museo herméticamente cerrada con un contenido independiente de su entorno, tal y como hizo Christian Bungies en la primera edición; o que el propio vidrio que hace de límite entre interior y exterior sea usado como soporte de un proyecto conceptualmente más abstracto y que sea posible ver como Philipp usa la sala como estudio cuando no hay exposiciones, como sucede actualmente con la intervención de Z. Schmidt.

↑ Motivo utilizado para las invitaciones a las exposiciones de la serie “Vitrinen”, vista de la calle desde el interior de AD

Otro offspace, este en Köln (Colonia), que utiliza la vitrina como espacio de exposición es Karat, un proyecto que ha recuperado catorce antiguas vitrinas para publicidad en el exterior de un aparcamiento urbano. Inaugurado el pasado abril, ha acogido desde entonces una exposición colectiva con artistas internacionales (Amanda Midori, de Brasil; Linda Baumsteiger, Bélgica; Matthew Randle, Reino Unido; Mercedes Mangrané, de Barcelona; entre otros) y dos más individuales, con Paul Leo y con el grupo Malo. En la ciudad alsaciana de Sélestat (Francia) hay una galería de nombre Schaufenster (alemán para escaparate) que, si bien no tiene forma de escaparate, utiliza esta idea como excusa para ofrecer una “vitrina dedicada al arte contemporáneo”, es decir un espacio en el que poder ver exposiciones desde dentro pero también desde la calle cuando la galería está cerrada.

Una galería alemana pionera en el uso del escaparate como generador del discurso propio del espacio es el Kabinett für Aktuelle Kunst Bremerhaven, que ha pasado a la historia por ser un espacio alejado de los grandes centros del arte –Bremerhaven es una ciudad portuaria de 112.000 habitantes en el norte de Alemania- por el que han pasado artistas que se han hecho mundialmente conocidos años más tarde (algunos ejemplos son Gerhard Richter, Bernd y Hilla Becher, Blinky Palermo y On Kawara). Además de por el olfato artístico de su fundador, Jürgen Wesseler, el Kabinett es conocido por haber expuesto trabajos que se habían realizado específicamente para ese espacio –una habitación rectangular de 35 m2 con iluminación fluorescente- y que se podían ver desde el exterior. El Museum für Moderne Kunst de Frankfurt am Main cuenta con una reproducción del Kabinett a escala 1:1, realizada por Gregor Schneider con el apoyo del sr. Wesseler, en el que se hacen exposiciones satélite.

↑ Pinturas murales de Blinky Palermo en el Kabinett für Aktuelle Kunst Bremerhaven, 1970

AD funciona de una manera parecida, bien que sin la actividad comercial del Kabinett, intentando que todos los proyectos que se realicen sean site-specific y que sean visibles desde la calle, ya sea como parte de la serie “Vitrinen” o como parte integrante del trabajo en una exposición convencional que utilice todo el espacio disponible. Se realizan entre cuatro y seis exposiciones al año, con artistas jóvenes –estudiantes aún o no- o de proyectos externos que se adecúen al espacio y al discurso de la sala. La última exposición que se ha podido visitar aquí fue la de Stephan Engelke, escultor de Mainz que trabaja con materiales de construcción modificados y que regenta, además, otro espacio similar a AD en su ciudad. Este otro offspace de Mainz, de nombre Ringstube, fue invitado a realizar una exposición-intercambio con trabajos de artistas de esa ciudad que habían colaborado o expuesto allí –la idea es que pase lo mismo con los artistas de AD en Mainz. La exposición se llamó Suite / Boudoir y consistía de dos espacios, la suite y el boudoir, en los que se podían ver ediciones de diferentes artistas jóvenes que trabajan en el medio de lo gráfico. La suite era lo que había sido la tienda de la carnicería, modificada por unos paneles que formaban un recorrido en el que se habían colgado algunos trabajos. El boudoir era la cocina de la vivienda de la parte trasera y estaba destinado a la contemplación en solitario de una sola pieza que se podía escoger de entre ocho más expuestas en un catálogo en la entrada.

↑ Vista de la exposición de Stephan Engelke, Baraque Baroque, mayo – junio 2012. Foto: © Michael Schmid

El Ausstellungsraum AD se encuentra en Bremen, Am Dobben 36 (28203). Anteriormente se han realizado en AD proyectos performativos de Anna Bromley y Jeremy Woodruff, de Hinrich Brockmöller; exposiciones colectivas con trabajos de artistas como Marieta Chirulesku, Anton Kokl, Jonas Maas o los mismos Philipp Schneider y Andreas Bernhardt que se ocupan de la sala y otros shows individuales como el de Winfried Virnich o el de Thomas Hornbach.

]]> http://situaciones.info/revista/dentro-fuera-y-lo-que-hay-en-medio-la-vitrina-como-escaparate-de-arte/feed/ 2 http://situaciones.info/revista/la-cuarta-habitacion-explorando-las-fronteras-entre-lo-publico-y-lo-privado/ http://situaciones.info/revista/la-cuarta-habitacion-explorando-las-fronteras-entre-lo-publico-y-lo-privado/#comments Sat, 03 Mar 2012 03:35:22 +0000 http://situaciones.info/revista/?p=388 Las fronteras entre lo privado y lo público han venido siendo cuestionadas en el contexto artístico desde hace años, ya sea a través trabajos y exposiciones que toman lo íntimo como motivo y lo exploran o a través de formatos expositivos que se apartan del ámbito institucional y utilizan espacios semipúblicos o privados como lugar de presentación. En la ciudad alemana de Bremen, de febrero a mayo de 2012 se lleva a cabo un proyecto que tiene como objetivo desafiar la práctica curatorial y artística tomando una habitación de una vivienda compartida como lugar en el que celebrar exposiciones y actividades abiertas al público.

↑ “Der vierte Raum” desde el exterior

Der vierte Raum (“La cuarta habitación”, en alemán) es el nombre que se le ha dado a este proyecto, aludiendo a la propia naturaleza del espacio, una habitación que ha quedado libre en un piso compartido por tres personas. En vez de buscar un nuevo compañero, Yvonne Bialek, Sebastian Reuschel y Adel Alameddine han decidido usar esta habitación, durante unos meses, como espacio abierto de experimentación artística. Al final de un pasillo y sin diferenciarse en nada del resto de habitaciones del piso –salvo en la falta de muebles, der vierte Raum ha sido declarado lugar de encuentro entre lo privado y lo público, de diálogo entre el arte y la cotidianeidad.

No es la primera vez que una vivienda privada se convierte en espacio expositivo independiente de la institución. Hans Ulrich Obrist comisarió su primera exposición –con el dúo Fischli/Weiss, Christian Boltanski, Hans-Peter Feldmann y Richard Wentworth- en la cocina de su propio piso cuando estudiaba en St. Gallen, Suiza, y Moritz Küng, recientemente destituido de su cargo de director del proyecto fallido del Canòdrom en Barcelona, llevó a cabo un programa curatorial con un total de dieciocho muestras en su vivienda de Bruselas de 1994 a 1997. Roger M. Buergel y Ruth Noack, comisarios de la documenta 12, realizaron en el período 1992-1993 un ciclo de exposiciones acompañadas por conferencias en casas de Bremen, Berlín y Hamburgo y Janneke de Vries, directora de la Gesellschaft für Aktuelle Kunst (GAK) de Bremen, hizo lo propio con el salón de su casa en Hamburgo, dejándolo a disposición de artistas invitados a apropiarse del espacio y generando así una discusión en torno de los límites entre lo público y lo privado.

Sea por falta de medios –¿no podría ser esta una bonita manera de posicionarse contra los cierres y recortes a los que estamos asistiendo? – o como experimento artístico-sociológico, el espacio privado representa un desafío para la praxis curatorial, ya que como espacio expositivo se diferencia claramente en su constitución y connotación del concepto “neutral” del White Cube y de las salas de exposición institucionales corrientes, así como también en su forma de interactuar con un público específico. Esta situación poco definida entre lo público y lo privado, junto con la independencia de la institución, permite a los artistas, además, probar cosas nuevas y experimentar con el espacio, con el espectador y con la propia práctica artística.

La línea discursiva de las exposiciones que forman el programa de der vierte Raum toma como base el propio espacio expositivo, ya sea en sus aspectos formales o en su connotación de lugar a medio camino entre lo público y lo privado. Los artistas invitados bien pueden exponer trabajos ya realizados que traten alguno de los temas de interés, como fue el caso de Kornelia Hoffmann y su obra no place like home, que partía del proyecto Raumkante (2010), llevado a cabo durante 2010 en una casa abandonada de Bremen en la que se celebraron diversas exposiciones y actividades abiertas al público, o bien pueden realizar un trabajo nuevo a partir de las premisas y objetivos que los habitantes del piso se han marcado, como hizo por ejemplo Z. Schmidt con la performance que consistió en empapelar toda la habitación con fotografías impresas de espacios vacíos.

↑ Kornelia Hoffmann, “No place like home”, 2010

↑ Z. Schmidt durante su acción en “Der vierte Raum”, 23/02/2012

Der vierte Raum tiene la voluntad de establecerse como plataforma de interacción y comunicación entre profesionales de distintos ámbitos, así como de experimentación y participación para jóvenes creadores empezando su carrera en el ámbito de las bellas artes, la música y la literatura. Éstos son invitados a ocupar este espacio por un tiempo determinado, a abrirlo al público y formar así una nueva esfera común, una red de conexiones fomentada a través de eventos y ocasiones de encuentro con diferentes objetivos. Así, además de las inauguraciones de las exposiciones que se sucederán a lo largo de los cuatro meses, cada miércoles tiene lugar Time and Place, espacio de encuentro y diálogo acompañado de música pinchada por djs invitados o por cualquiera que quiera traer sus discos –de vinilo, por supuesto.

↑ Time and Place

Programa:

27/01/2012 # house-warming party
20:00 h. Opening ceremony by dilettantin produktionsbüro
22:00 h. Time & Place AfterParty w/ Adel Akram & Stig Inge (ZCKR Rec.)

10/02/2012 # “No place like home”

Imke Bullerkist / Kornelia Hoffmann

23/02/2012  Carla Filipe / Z. Schmidt

16/03/2012  Matthias Ruthenberg / Rosemarie Trockel

30/03/2012  Norman Neumann / Sebastian Reuschel

13/04 – 14/04/2012  Angela Anzi / Katja Lell / Jens Franke

24/04/2012 Time and Place Special

ST WASSERMANN
IG FALL ST BEN
ING E. EFFEN NE

30/04/2012 Conor Gilligan / Tim Reinecke

11/05/2012 Adrian Lohmüller “on what grounds”

Más información: http://dervierteraum.tumblr.com/

© de las imágenes: Der vierte Raum, a quienes agradecemos por su cortesía