Núria Güell es una artista catalana que destaca, a través de su producción artística, cómo los dispositivos de poder afectan a nuestra subjetividad, sometiéndola a través del derecho y la moral hegemónica. Utiliza las plataformas y estructuras del arte contemporáneo para cuestionar las relaciones del (y con el) poder y los privilegios. 

El Mercado de las Flores

La Feria de las Flores se constituye como un recorrido a través de las obras de Fernando Botero, escultor y pintor colombiano, expuestas en la colección permanente del Museo de Antioquia, el más importante de la ciudad de Medellín.

Directa y concisa, Núria Güell propone una serie de visitas guiadas a la sección del artista paisa, dirigidas por menores de edad que comparten su condición de víctimas de la explotación sexual en Medellín, con un promedio de edad de entre 12 y 17 años. Estas nuevas guías, nos transportan a través de sus relatos y de sus propias vivencias traumáticas, generando una nueva lectura de las obras de Botero en las que el artista representó el cuerpo femenino.

En su día, Botero hizo una donación al Museo de Antioquia de 137 de sus obras obras, además de un fondo de un millón de dólares y 23 esculturas, permitiendo así que Medellín se enriqueciera culturalmente pudiendo situarse en el ranking internacional de destinos turísticos culturales a visitar.

Este incremento del turismo, sin embargo, también favoreció un mercado oscuro: la cosificación de la mujer a través de una de sus experiencias más brutales, la explotación sexual infantil. En las calles de Medellín se pone a disposición de los turistas occidentales –fundamentalmente de EE.UU., España, Israel, Alemania y México– diversos catálogos de venta de virginidades a través de los cuales seleccionan a la niña o niño cuya virginidad quieren comprar.

Tal y como reconoce la artista gerundense, el proyecto invita, mediante la confrontación de estas dos realidades, a realizar una revisión crítica de la mirada patriarcal y sexista dominante en la Historia del Arte.​

“Al principio me daba miedo decirle a otras personas lo que me sucedió, contar mi historia a través de unos cuadros, y yo además nunca había venido acá… Yo nunca había visto un cuadro. Yo creía que un cuadro era un mamarracho, y explicar eso, iba a llevar muchas complicaciones, que me iban a juzgar, que ya nadie me iba a hablar…”

Testimonio de una de las guías

“Mi cabeza da muchas vueltas en ese momento. Porque, en realidad, contar la vida personal a personas que ni siquiera conocemos, o tal vez que te van a juzgar, o que no te van a querer volver a ver, o te van a mirar feo toda la vida, es muy duro.”

 Testimonio de otra de las guías

Fragmento del video El Mercado de las Flores. © Cortesía de Núria Güell.
+ info del trabajo de Núria Güell: www.nuriaguell.net

Federico Martínez es un artista mexicano que tras su paso por Europa vuelve a residir en su México natal. Ha cursado una maestría en Artes Visuales en la UNAM, Universidad Nacional Autónoma de México. También ha seguido el programa educativo de SOMA entre 2011 y 2013. 

Double Trust. Saving Transfers

Double Trust Saving Transfers supone una colaboración entre el artista Federico Martínez (Ecatepec de Morelos, 1984) y la D+T Project Gallery de Bruselas. La pieza, realizada en directo en el espacio de exhibición, consiste en la creación y venta de una serie de certificados de ahorro hechos en base a la tinta extraída de billetes, mediante una suerte de frottage contra el papel del certificado. Cada uno de estos certificados emitidos por Martínez tiene un valor igual a la denominación del billete con el que está impreso, más la suma de una previsión de ganancia anual del 4% (equivale al doble de la tasa de interés ofrecida por cualquiera de los bancos en Bruselas en febrero de 2014) acumulable y efectiva. Esta ganancia se hace efectiva desde el mismo día en que el documento se vende hasta que es devuelto a la galería. Mediante esta acción, Martínez transforma la galería en una entidad bancaria vacía, donde no existe ni el billete con el cual se compró el certificado ni el propio certificado. La paradoja que genera esta pieza es que la única forma de producción de valor que opera en la misma se encuentra en la especulación y circulación del artista, ya que una vez que ésta regresa a la galería se transforma en una deuda que posiblemente no generará ganancia para quienes invirtieron en ella.

La pieza se activó por última vez dentro de Poppositions Off – Fair, una exposición que se presenta como una alternativa al formato tradicional de ferias de arte como Art Brussels. Cada año escoge una localización distinta y los proyectos que se exponen se vinculan con ese sitio específico. En esta ocasión se realizó en el Dexia Art Center en el centro de Bruselas, un edificio que perteneció al Belgian Dexia Bank, primera entidad víctima de la crisis europea en 2011.

El slogan que anunciaba la exposición fue tomada de  Die Dreigroschenoper (La ópera de los tres centavos) de Bertolt Brecht: “What is the burgling of a bank compared to the founding of a bank?”.

© Federico Martínez y D+T Project Gallery

+ info del trabajo de Federico Martínez: www.federicomartinez.org

Andrea Canepa es una artista peruana que trabaja y reside en Valencia desde 2004. Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de esa misma ciudad, donde también ha cursado un máster en Artes visuales y multimedia. Su trabajo ha merecido la última Beca Endesa para las Artes plásticas y el premio Generación 2014 de la Fundación Caja Madrid.

Todas las calles del año

En este proyecto, uno de los más interesantes en mi opinión de Andrea Canepa (Lima, 1980), la artista hace una delicada pero extensa producción de 365 dibujos a tinta y acuarela, de los cuales ya ha realizado 90 (se trata de un work in progress que comenzó en 2012). Los mismos corresponden a los 365 días del calendario gregoriano, representados por cada una de las calles encontradas a lo largo y ancho de toda América Latina denominadas con una fecha.

En estos dibujos, Canepa identifica un paisaje urbano situado en cada una de las calles elegidas a través de aplicaciones de cartografía contemporánea (como Google Street View) o de las propias imágenes tomadas por visitantes, vecinos o curiosos, que después trabaja en un lenguaje plástico muy interesante, apenas bicromático, que recuerda a las primeras fotografías a color.

Cada una de estas fechas, desde la Calle 1 de Enero (ver primera imagen tras este texto) hasta la Calle 31 de Diciembre, encierra una historia o acontecimiento que va desde lo local hasta lo universal, que Andrea Canepa se encarga también de reseñar en cada una de estas ilustraciones que se convierten así en fichas de un archivo muy particular.

La brillante operación de hacer coincidir localidades remotas y temporalidades distintas bajo el orden de la premisa de un año natural, mezclada con la subjetividad de la selección de la propia artista, genera una cronología quebrada de la propia Historia. Por otro lado, tal y como indica la propia Canepa, en el proyecto se igualan los acontecimientos relevantes para toda una nación, o incluso un continente (como la independencia de una república), con los que son meramente locales (como la fundación de un pueblo o aldea, el recuerdo de una gesta de un héroe local, etc.). Con todo ello Andrea Canepa lanza no sólo una pregunta, sino varias reflexiones acerca de la construcción de la historia, los monumentos, y la memoria colectiva, temas que exigen de un ejercicio de especial cuestionamiento en el contexto de América Latina.

Calle 1 de Enero
Reparto Siboney, Bayamo, Granma – Cuba 

Calle 22 de Enero
Balneario Municipal, San Carlos de Bariloche, Río Negro – Argentina 

Calle 28 de Febrero
Mercedes, Soriano – Uruguay 

Calle 9 de Marzo
Ciudad Nueva, Asunción – Paraguay 

Calle 4 de Abril
Tandil, Buenos Aires – Argentina 

Calle 25 de Octubre
La Reja, Moreno, Buenos Aires – Argentina

Todas las calles del año
Mapa de situación de cada una de los dibujos en el mapa de América Latina 

© de las imágenes: Andrea Canepa
+ info sobre su trabajo: www.andreacanepa.com 

Camila Ramírez Gajardo (Antofagasta, Chile 1988) es Licenciada en Arte por la Universidad Diego Portales y candidata a Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile. Ha expuesto individualmente en el Museo de Arte Contemporáneo MAC (Cuerpos de obra, 2012), en Metales Pesados Visual (La Narrativa Socialista, 2012) y en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende (Vencer o Morir, 2012). Entre sus exposición colectivas destacan: El deseo o la emergencia de lo privado en lo público (2013), CCE, Lima, Perú; Realismo Compulsivo (2013) Sala de Arte CCU, Santiago, Chile; Arqueologías a destiempo (2012), Galería Gabriela Mistral, Santiago, Chile; y en el V Concurso de Arte Joven Cabeza de Ratón (2010), MAVI, Santiago, Chile. En 2011 fue premiada dentro del Concurso Showroom, organizado por el pabellón del CNCA en el marco de la feria Ch.ACO. El 2012 fue nominada a la Beca AMA, Gasworks International Residency Programme y preseleccionada para el concurso EFG Bank&ArtNexus Latin American Art Award tras su participación en la feria Ch.ACO de la mano de la Galería XS. Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Silla Comunitaria

Tras conocer a Camila Ramírez personalmente alrededor de la interesante colectiva ‘EL DESEO o la emergencia de lo privado en lo público’ en el Centro Cultural de España en Lima (Perú), sentí la necesidad de compartir con vosotros dos de sus trabajos que más me han interesado. El primero de ellos, este Silla Comunitaria de 2009, se conforma como una escultura de madera, melamina y hierro cuyas dimensiones alcanzan los 120 x 80 x 35 cm. Este trabajo interviene sobre un objeto común, aprehendido y vinculado al proceso educativo, sobre la estructura formal y simbólica de una silla universitaria personal típica del contexto latinoamericano. Con este giro formal y a la vez léxico que nos propone Ramírez, el objeto se torna “comunitario”, sugiriendo el “cuerpo social”. La idea de este objeto reinventado, quizá hasta deteriorado en su funcionalidad, recoge la idea de esa masa uniforme que se ve abocada a someterse a un mismo fin o deber.

Unión Popular

En el segundo de los trabajos que me gustaría presentaros, Unión Popular, Camila Ramírez hace uso de uns serie de objetos del mundo del trabajo obrero, muchos de ellos vinculado, incluso, al imaginario popular y revolucionario de la izquierda combativa. Estos objetos-herramientas se presentan transformados como una suerte de herramientas colectivas, que referencian las utopías ideológicas del s. XX. Al mismo tiempo, modificadas de tal manera, quedan negadas para su uso originario como herramientas. Este trabajo se presenta siempre sostenido por un juego de mesas de trabajo esmaltadas en rojo que terminan de evocarnos, junto al título del proyecto, un pasado reciente de la historia de su país de origen, Chile, que la artista -curiosamente nacida en el mismo año del Plebiscito chileno- tiene en constante consideración. Os recomiendo que no perdáis de vista su trabajo, porque estoy seguro de que nos dará mucho que hablar.

Ignasi Prat (Sant Esteve de Palautordera, 1981) nos muestra su último trabajo, El mundo de los vencedores, que se vincula a sus otros temas de interés, como son la relación de las personas con su pasado, la invocación de ese mismo paso del tiempo a través del medio que mejor domina, la fotografía, y la tecnología de control dentro de la institución educativa. Ignasi Prat es Graduado superior en Fotografía y Licenciado en Bellas Artes por la UB, Universidad de Barcelona. Su trabajo ha sido merecedor de uno de los premios/becas a Proyectos de Edición de la Sala d’Art Jove en su convocatoria de 2012.

El proyecto El mundo de los vencedores se conforma como un trabajo de investigación arqueológico, en el que Prat indaga en el pasado más oscuro y reciente del Estado español. A lo largo de las fotografías que produce, Ignasi Prat es capaz de configurar en forma de archivo una suerte de colección de residencias o domicilios particulares. Pero estos domicilios tienen una particularidad: fueron las residencias reales de los máximos responsables del aparato estatal y de la represión de la España franquista.

Sus fotografías adquieren un interés particular al ser reflejo de una doble temporalidad: la que hace referencia a la vida del personaje que allí habitó, mucho más breve y efímera, y la del propio edificio, que aún permanece. En la fase inicial del proyecto, que sigue en marcha, Ignasi Prat documentó estos espacios de tránsito y acceso despojados de gente y movimiento, en una idea de tiempo detenido, lo que inevitablemente invoca a un pasado fantasmagórico. Estas fotografías nos sirven, además, como indicadores de una de las fases, en mi opinión, más interesantes del proyecto: la documentación, ordenación y recuperación estética de un mundo, el de ésta élite fascista, que es capaz de hacernos entender su gusto estético, uso de materiales y estilos, enfocado todo ello a marcar y reafirmar su estatus.

Más adelante, el proyecto se abre hacía la documentación del perímetro de los inmuebles, las plantas y alzados en plano de estas construcciones, vistas desde aplicaciones como Street View, etc., que complementan las representaciones fotográficas. El proceso completo de investigación y toda la documentación se puede consultar en la web que Ignasi Prat ha desarrollado a tal fin, en castellano y català: www.elmundodelosvencedores.com

↑ Portal interior de la residencia de Ramón Serrano Súñer, Madrid.

↑ Fachada lateral de la residencia de José Luis Arrese, Corella (Navarra).

↑ Vista de la fachada sur del palacio del Canto del Pico, antigua residencia de Francisco Franco, Torrelodones (Madrid).

↑ Fachada principal de la residencia de Nicolás Franco Bahamonde, Madrid.

↑ Captura de pantalla del sitio www.elmundodelosvencedores.com donde Ignasi Prat explica y enumera los personajes que formarán parte de su investigación. Los 35 altos funcionarios y gestores del Régimen franquista son los mismos que cuyas actas de defunción solicitó el Juzgado Central de Instrucción n.º 005 de la Audiencia Nacional, en el auto de 16 de octubre de 2008. Estas actas fueron solicitadas para declarar extinta sus responsabilidades en casos de detención ilegal y crímenes contra la humanidad cometidos durante la Guerra civil española y en los primeros años del régimen. En la imágen se pueden observar las páginas del auto.

Patricia Reed es una artista canadiense que trabaja y vive en Alemania. Reed sostiene que su trabajo tanto plástico como textual se centra en el análisis de “la contingencia de la normalidad”. Tal y como la artista sostiene, la “normalidad” sólo puede ser aprehendida como una realidad dada a través del consenso social, y precisamente por eso entiende que este consenso es maleable.
Reed está titulada por la Concordia University de Montreal y es MA en comunicación por la European Graduate School de Suiza. Su trabajo ha sido expuesto entre otros en el Haus der Kulturen der Welt (Berlín, 2012); Kunsthaus Langenthal (Suiza, 2012); Program (Berlín, 2011); Württembergische Kunstverein (Stuttgart, 2010); Botkyrka Konsthall (Estocolmo, 2010); Limerick Art Gallery, (Limerick, 2010); Audain Gallery (Vancouver, 2010); 0047 Project Space (Oslo, 2010); Plateforme (París, 2010) y en la Galerie Sans Nom (Canadá, 2010).

Pan-Nacional Flag es el resultado de la acumulación de todas las estructuras lineales o vectoriales de los emblemas extraídos de las banderas de aquellos territorios reconocidos internacionalmente como Estado-nación. Los diseños vectoriales apropiados de las iconografías nacionales se acumulan en una impresión sobre tejido, construida como bandera, generando un embrollo gráfico, que juega el papel de metáfora de la complejidad de la ideología del Estado-nación. Para reforzar este concepto conciso y potente, Reed produce su pieza con la forma, dimensiones (250 cm. x 150 cm.) y características de una bandera auténtica, que sin embargo carece de la característica última de toda bandera: la identificación precisa del territorio o grupo social al que representa. Por el contrario, la bandera “pan-nacional” de Reed teje un nudo de identidades entremezcladas, generando casi una red, una retícula que nos remite a una gráfica de personas interconectadas, de telecomunicaciones entre diferentes puntos del mundo, de conexiones, de redes. Y es quizá esta idea la que quiere compartir Patricia Reed, la de un mundo interconectado, fundamentalmente mestizo, donde las identidades son cada vez más complejas y menos definidas, en el cual migramos y nos movemos constantemente, interactuamos y compartimos. Y quién mejor para hablar de esto que Patricia Reed, que desde que reside en Berlín firma sus obras con el que ha elegido como su nombre alemán: Pia Fuchs.

[+ info en:]  http://www.aestheticmanagement.com/

© Patricia Reed

Daniela Ortiz es una artista peruana que trabaja y reside en Barcelona. Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, y también ha participado en seminarios y talleres con Beatriz Preciado, Marcelo Expósito, Santiago Sierra, Alberto Lopez Bargados, Rogelio Lopez Cuenca, Raimond Chavez, Yoshua Okón, Martí Perán, Rirkrit Tiravanija, Josep María Martí y Natalia Iguíñiz, entre otros. Su trabajo ha sido expuesto en Barcelona, Terrassa, Granollers, Los Ángeles, Zaragoza, Madrid, Mataró, La Habana y Lima.

97 empleadas domésticas

Como señala Marcelo Expósito, el trabajo de Daniela Ortiz puede considerarse en parte vinculado a la recuperación que desde los últimos años se ha venido proponiendo del periodo histórico de las prácticas conceptualistas ‘del Sur’. En mi opinión, uno de los trabajos más punzantes e interesantes de Ortiz es este 97 empleadas domésticas que desarrolló en 2010 y que convirtió en exposición y publicación gracias a la convocatoria de 2010 de proyectos de la Sala d’Art Jove de la Secretaria de la Joventut de la Generalitat de Catalunya.

El trabajo impreso, que actualmente reviso gracias a la cortesía de la propia artista, es una edición humilde pero potente, de 500 ejemplares, que reúne una colección de 97 fotografías apropiadas de las redes sociales de diversas familias acomodadas de Lima (Perú). Al finalizar el recorrido por las imágenes, tal y como pasara con la exposición, uno tiene idea de haber visto todo lo que la imagen podía ofrecer, sin embargo, no es así. El título, colocado deliberadamente al final de la serie fotográfica y ausente en la portada por la misma razón, nos da pistas de que no hemos visto lo que Expósito llamara el inconsciente óptico. Hemos visto un desfile de escenas familiares, de fiestas, cenas, almuerzos, reuniones, momento especiales, otros banales de diversas familias acomodadas y diferencialmente caucásicas, pero no hemos visto a las 97 mujeres que dan título al proyecto: las empleadas del hogar de estas familias. La segunda lectura nos conducirá a percibir a las mujeres, de rasgos ‘indígenas’, vestidas con uniformes de trabajo ciertamente trasnochados, siempre en un segundo plano, o cortadas por el encuadre, o apenas en forma de fragmento: un trozo de pierna, apenas sus manos, quizá un brazo que entra en la escena.

Os invito a que sigáis la trayectoria de Daniela Ortiz en su propia web, y que estéis atentos al número 5 de Situaciones impreso, ya que contaremos con la presencia de la artista en la conversación central que en este número realizamos junto a Nora Ancarola.

↑ Dos de las noventa y siete fotos que conforman la edición y la exposición | © Daniela Ortiz, 2010

Andrés Bedoya es un artista boliviano que trabaja entre La Paz y Nueva York. Es Bachelor en Bellas Artes por la University of Texas at Austin. Ha expuesto en el Abrons Arts Center de Nueva York, en el Museo Nacional de Arte de La Paz y en el Austin Museum of Modern Art, entre otros. Además ha curado exposiciones como ‘Brooklyn is Burning’ en el PS1 de Nueva York.

Ultra Madre

La Instalación Ultra Madre fue presentada originalmente en el patio del Museo nacional de Arte de La Paz (Bolivia), en 2009. Esta pieza, tras un trabajo previo de dieciocho meses de estudios, documentación y fotografías, pretende recrear la muerte de la madre del artista, que aunque en una primera instancia habla de la pérdida como un duelo privado, acaba extendiéndose a una experiencia colectiva.
Utilizando como escenario el arco principal del patio del Museo, y mediante la colocación de un andamio de madera y acero, Bedoya situa a cincuenta y siete mujeres interrumpiendo la arquitectura en sus planos tanto físico como funcional durante una hora. El andamio ayuda a distribuir al más de medio centenar de mujeres tumbadas en diferentes niveles a lo largo de los más de cuatro metros y medio de altura del arco, dejando sus largos cabellos colgando.

Las participantes, escogidas tras un casting, son las conocidas cholitas, mujeres indígenas urbanas, cuyas características diferenciadoras residen en sus ropas y sus cabellos especialmente largos, recogidos en dos trenzas. Al liberar sus cabellos y mostrarlo públicamente suelto – cosa que solo ocurre cuando lo lavan o lo vuelven a trenzar -, las mujeres indígenas  permiten al espectador acceder a un espacio privado. Además  generan una confrontación entre la dureza arquitectónica frente a las formas orgánicas y suaves que refuerzan la idea de lo no permanente, de lo efímero.

↑ Boceto para el proyecto ‘Ultra Madre’ | © Andrés Bedoya

↑ Casting para el proyecto ‘Ultra Madre’ | © Andrés Bedoya

↑ Preparativos del performance e instalación. Museo Nacional de Arte de La Paz | © Andrés Bedoya

↑ Performance e instalación. Museo Nacional de Arte de La Paz, 2009 | © Andrés Bedoya

↑ Detalle de la instalación | © Andrés Bedoya

Marta Burugorri (Pamplona/Iruñea, 1989) es Graduada Universitaria en Arte y Diseño por la Escola Massana / Universidad Autónoma de Barcelona y estudiante del Grado en Antropología Social y Cultural por la UNED. Terminó sus estudios artísticos en la Bezalel Academy of Arts and Design de Jerusalén gracias a una beca de la UAB. Como artista emergente trabaja en diversos proyectos audiovisuales algunos de los cuales han sido expuestos en centros como Sala d’Art Jove, La Capella o ACVic.

Shabbat Shalom

Shabbat Shalom es un proyecto que la artista Marta Burugorri realizó durante los cinco meses que permaneció en Jerusalén, acabando sus estudios de arte en la Bezalel Academy of Arts and Design. El contexto en el que se plantea esta propuesta es en la actual capital del Estado israelí, territorio en permanente disputa, y donde además se concentra el mayor porcentaje de judíos ultraortodoxos del país hebreo.

El Shabbat es considerado por la población creyente como el ‘día de descanso’, en clara referencia a la creación bíblica según la cual Dios construyó los cielos y la Tierra en seis días, descansando el séptimo. El Shabbat comienza cada viernes con la puesta del sol y termina con la aparición de tres estrellas en la noche del sábado. Es un periodo que, según la tradición, se ha de dedicar a la espiritualidad y al tiempo en familia. Además, según la tradición oral de la Ley judía, existen 39 categorías principales de trabajos (Avot Melajá) cuyas derivaciones (Toledot) están completamente prohibidas durante la festividad semanal.

Así, actividades como anudar, seleccionar, marcar, aplanar, demoler, construir, borrar, quemar, cocinar, bordar, hilar, peinar, amasar… no están permitidas. Hoy en día estas 39 actividades se han ramificado en muchas otras (Toledot) y el número de prohibiciones ha aumentado. De este modo, estarían prohibidas entre otras, acciones como subir a un árbol, presionar un botón, maquillarse, quitar manchas, desatar un nudo en más de un movimiento, cortarse las uñas o cambiar el agua del florero.

Para anunciar la entrada al tiempo del Shabbat y advertir del cese de todo tipo de trabajo, una estridente sirena, similar a las que se usan en casos de emergencias, suena por toda la ciudad durante poco más de un minuto, tiempo exacto que Marta Burugorri emplea para realizar todas las actividades que se prohibirán apenas unos segundos después. Durante este tiempo, con la suficiente atención, podemos apreciar los cánticos provenientes de la sinagoga, las oraciones que realizan los judíos antes de dirigirse hacia el muro de las lamentaciones y celebrar el que es su momento más importante de la semana.

La acción fue realizada y grabada en la entrada de la residencia provisional de la artista, situada en el centro de la ciudad de Jerusalén y por lo tanto, en un lugar donde el comienzo del Shabbat se percibe de una manera muy intensa.