Visitar la exposición es descubrir la obra de Paula Rego, formada por un conjunto artístico contundente, que por su fuerza y agresividad capta la atención de quien entra a verla. Pero para poder comprender la profundidad de su significado hay que leer los extensos textos que acompañan la exposición, así como las obras del llamado Teatro de la crueldad de Martin McDonagh en las que Rego se inspira, los cuentos clásicos, o las noticias sobre los intentos de despenalización del aborto en Portugal a finales de los años 90 y que no dieron frutos. Cabe destacar que el teatro McDonagh marca especialmente a Rego, ya que el dramaturgo representa una vertiente extrema que interesa a la pintora, la llamada in-yer-face, más violenta y grotesca. De ésta, destaca la obra The Pillowman de 2003, en la que Rego se basa para crear la obra con el mismo título en 2004, que mezcla las temáticas de la obra de McDonagh con aspectos biográficos de la propia artista y que es uno de los puntos fuertes de la exposición. Es necesario empaparse de toda esta información para comprender qué hay detrás de una obra tan insistentemente marcada por el abuso, el dolor y la violencia hacia la mujer.

Tríptico “The Pillowman” (El hombre almohada). Paula Rego, 2004

El impacto de sus dibujos y pinturas yace en las temáticas, en su inmersión en los aspectos más truculentos del trato a las niñas y a las mujeres. Los rostros de Paula Rego no son bellos, son como máscaras desgarradas, curtidas no por el tiempo, sino por las malas experiencias; sus niñas no son jóvenes, sino que se les ha impuesto una senectud anticipada. El maltrato por parte de la figura masculina, incluso el de sus propias madres y abuelas es constante, transmitiendo así un modelo de sufrimiento a través de las generaciones. Las propias madres aceptan y contribuyen al dolor y es el hombre el que lo provoca, pero bajo un aspecto ridículo. Esto se puede ver en el espacio dedicado a la serie de Caperucita Roja, en la que la niña pierde la inocencia, se descubre la cabeza de la caperuza y mira desafiante al lobo, un hombre de mediana edad, amanerado y torpe. La madre mata al lobo y acaba portando su cola como una bufanda de piel alrededor de su cuello, sentada en una silla de escritorio que todavía acentúa más lo absurdo de la situación.

En la obra de la artista, estas situaciones se contextualizan en un espacio irreal y extravagante que recuerda más a una escenografía teatral que a un lugar existente. Los comportamientos extraños acompañados de espacios falsos, sitúan a los personajes en un ambiente muy característico al que recurre la artista en muchas ocasiones y que se puede relacionar con el interés de la autora por la dramaturgia y específicamente por el Teatro de la crueldad. Parece que la pintora repita modelos para crear los diferentes personajes de sus pinturas. Un ejemplo es el lobo de la serie sobre Caperucita, que parece el mismo modelo de la obra Olga (2003) y esto acentúa todavía más esta apariencia de actores caracterizados que forman parte de una farsa para esconder algo desgarrador.

Un aspecto característico dentro de la obra de Paula Rego es la técnica que utiliza para sus pinturas. Al tener la posibilidad de verlas de cerca nos sorprende que sus obras más detalladas, brillantes y conmovedoras por su realismo sean pasteles cuando podríamos suponer que son óleos. Esta técnica remite a algo más bruto, más de contacto con la piel de la pintora, algo hecho con las manos. Nunca había visto unas obras al pastel tan precisas como las de Paula Rego, ya que suelen utilizarse como esbozos o en obras de aspecto inacabado. La artista incorpora el pastel como su técnica primordial mediante la cual muestra su habilidad y expone la brutalidad de su contenido artístico. La litografía que usa la artista en muchas de sus obras también sorprende gratamente por la limpieza y espontaneidad del trazo de Rego, de una modernidad estilística que juega con pocos tonos y es más precisa con el color.

La exposición recorre la obra de la artista a través de sus temáticas más destacables y es interesante la forma como está planteada para ir descubriendo las diferentes facetas de su obra y relacionarla con diferentes artistas. No obstante, al tratarse de una retrospectiva, me habría resultado más conveniente una explicación en orden cronológico, aunque sé que es una presentación más común y por lo tanto menos original. Lo importante es que abre el apetito y crea interés por una pintora no muy conocida por el gran público aunque valorada dentro del ámbito artístico. Una aportación interesante a la vez que necesaria, que habla de temas que siempre han sido de actualidad pero que ahora salen a la luz, aunque ella ya los trataba hace muchos años. Un dolor que la artista transmite sin miedo, sin complejos y a través de víctimas curtidas por unas experiencias que las marcaron de por vida.

“Olga“. Paula Rego, 2003

Desde el primer momento queda claro que es una gran galería donde se intenta vender, llamar la atención de mecenas y compradores, recordando vagamente al que podría ser una feria donde se expone cualquier otro tipo de producto.

Intentar captar posibles compradores no es criticable, pero creo que sí puede serlo la falta de obra más allá del interés de mercado.

Swab es una feria abierta a la que puede acceder cualquier interesado en el arte contemporáneo y por lo tanto se podría considerar el hecho de aportar algo más que la propia obra en cada espacio. Digo esto sobre todo por la importancia que tiene el dar un valor además de las obras que se exponen, también por un aspecto que considero fundamental en el panorama cultural y artístico actual, que es el interés por el carácter educativo o de aprendizaje.

La filosofía de la feria es presentar una gran galería compuesta de galerías, y por lo tanto se sigue el criterio de muchas de ellas que es mostrar y no explicar. Por lo tanto, solamente podrá saber de aquello el interesado en comprarlo.

El tipo de obra propuesto por cada galería es muy diferente, algo que considero un punto muy positivo de la muestra, por el hecho de poder recorrer por diferentes tendencias, miradas y técnicas diferentes sin movernos del mismo espacio, y sin estar tampoco en un museo.

Pero poniendo el foco en cada una de las obras considero que la muestra tenía un discurso muy directo, tal vez demasiado. Vi muchas metáforas, pintura realista crítica u otras obras que critican elementos de la sociedad de consumo convirtiéndolos en caricatura.

Por otro lado, me entusiasmaron ciertos artistas con propuestas que se caracterizaban por un gran discurso poético. Estos, en su mayoría eran orientales, de galerías de Tokio y Shanghái. Después de ver sus obras, pude pensar en conceptos como silencio, mirada, paisaje, fluído, descanso, tradición. Y realmente me quedé llena de sensaciones profundas y de reflexión…

Me interesaron profundamente artistas como Kurihara Jugo, de la Sun art Gallery (Shanghái, Tokio), que juega con la tinta china como elemento básico de su obra, remitiendo a formas naturales y evocando a un universo muy particular, donde reina la sencillez y las raíces.

Por otro lado, un colectivo de artistas muy presente en la muestra, Liu Dao (representando a la galería island6 de Shanghái) se imponía con su trabajo multimedia en el que mezcla representaciones de elementos tradicionales, como jarrones de porcelana china, de la que surgen elementos en movimiento mediante luz LED. Su obra inundaba un gran espacio respecto al de otros artistas, algo que bajo mi punto de vista está más que justificado.

Butterfly Babe del colectivo Liu Dao. © Cortesía de la galería Island6

Por otro lado, en el mismo marco, veíamos como en el espacio de otras galerías como Pantocrator gallery, de Suzhou (China), se podía admirar otro tipo de obra muy importante dentro del marco de arte contemporáneo chino, como es la fotografía. La obra de Han Bing, del cual se muestran alguno de sus trabajos, invita a saber más de él, de acercarse a sus proyectos después de la visita. A partir de esto, visitando su página web y descubriendo su trabajo, lo guardo dentro de mi archivo de artistas a los que vale la pena seguir la pista. Del arte oriental me interesa el hecho de recurrir a la tradición y a la cultura ancestral para explicar y evocar, pero esto ya es un gusto personal.

Más allá de la exposición de obras, también formaba parte del Swab, diferentes programas paralelos como Focus Magreb, que proponía profundizar en el conocimiento de dinámicas culturales y artísticas que se están dando en Magreb, o el Swab seed, basado en proyectos independientes más allá del ámbito institucional y del mercado. Estas propuestas muestran algo que yo creo que debería impregnar todavía más la feria. La idea de dar a conocer el arte desde otros puntos de vista, podría estar más presente en cada una de las galerías presentes, generando una cercanía más grande con el espectador. Ya que se tiene la oportunidad de tener algunos artistas y galeristas in situ, ¿por qué no abrirse a preguntas o proponer interrogantes a los visitantes? No deja de ser muy distante la imagen del galerista sentado en una silla, esperando a que alguien le pregunte por el precio de una obra. Si las galerías siguen siendo así, no tienen por qué serlo este tipo de muestras.

Swab Barcelona. Vista de la edición 2016. © Cortesía Swab