Inició su formación en la especialidad de gemología y durante la primera mitad de la década de los noventa se tituló en joyería en la Escola d’Arts i Oficis de la Diputació de Barcelona, actualmente Escola d’Art La Industrial, de la que es profesora de proyectos y gemología desde entonces. Más tarde se graduó en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona especializándose en escultura. Siempre ha combinado la tarea docente con su trabajo creativo. El interés por el trabajo volumétrico en metal del joyero Xavier Domènech y el estudio de las esculturas de Jorge Oteiza y Eduardo Chillida fueron algunos de los referentes iniciales que animaron sus primeras producciones. Serrano afirma sentirse muy a gusto con todo lo tridimensional: “…todas las joyas que hago las entiendo como pequeñas esculturas. Son pequeños objetos, pequeñas esculturas llevables”.

© Cortesía de Sònia Serrano

La joyería contemporánea

El contacto con la joyería europea contemporánea  de carácter más artístico y con un lenguaje propio la ha estimulado en la búsqueda de un lenguaje más personal. Fue en este sentido que empezó a realizar  colgantes, broches y anillos con materiales experimentales como la resina traslúcida, la porcelana y la combinación de los dos materiales, con formas elegantes, de líneas suaves y aspecto delicado y ligero. La joyería artística, también llamada contemporánea, parte de la noción de obra única y original o de corto tiraje, como la escultura (que o bien es obra única o es un múltiple de entre seis y diez piezas). Así pues, se aleja tanto de la joyería tradicional, más interesada por formas, tipologías y materiales clásicos (metales nobles y gemas) como de la denominada joyería de diseño, muy bien estudiada, funcional y seriada, de tiraje más largo y de carácter industrial.

Otro punto de referencia importante en el desarrollo de su trabajo ha sido la joyería nórdica, sobretodo la finlandesa que apareció con fuerza en los inicios del milenio de la mano de mujeres joyeras. Hasta entonces, y en general, la joyería era una actividad muy masculina, en las escuelas estudiaban más chicos que chicas, pero en los últimos años ha aumentado el número de mujeres respecto a los estudiantes masculinos, siendo actualmente mayoritariamente femenina. El papel de la mujer joyera empezó a tomar una gran relevancia, ya no solo por la cantidad de joyeras sino por el tipo de joyas que realizaban y Serrano relata cómo se interesó por aquellos trabajos: “La escuela de Lappeenranta en Finlandia fue una escuela muy potente, creó un grupo de joyeras que a nivel europeo tuvo un gran impacto llamado Hibernate. Además en esos años la joyería introdujo con fuerza lo textil y lo manual. En cuanto a conceptos se empezó a trabajar la memoria, los vínculos con la familia y seres queridos y en definitiva todo aquello referido a lo sensible en contraposición a una joyería más tradicional y fría. Eso me interesó, pero llegó un punto que todo era un tanto excesivo. Si no te vacías por dentro, en una especie de catarsis, parece que no estés haciendo una obra sincera y coherente y tampoco se trata de eso. Cada cual explica lo que quiere explicar. La joyería es un canal como cualquier otro tipo de arte, pero también cada cual se implica a diferente nivel, hay quien quiere explicarlo todo a través de la obra y hay quien no, y tan lícita es una cosa como otra”.

“Paisaje de cuarzo 2″ © Cortesía de Sònia Serrano

La cuestión del estilo

Su manera de trabajar se basa en: “cómo puedo llevar cosas que no le son propias a la joyería. Introducir materiales diferentes y técnicas que no son habituales…me motiva a investigar”. Serrano estudia una técnica o un material y busca nuevas propuestas y soluciones, pero una vez conseguido deja de interesarle y aborda un nuevo reto. La carga estética del objeto no es la finalidad última de su trabajo, no porque esta carga no exista, sino porque a diferencia de  otros joyeros no se interesa por unas características formales que hagan reconocibles sus joyas desde la noción de estilo. Ella misma se posiciona sobre este aspecto: “…las piezas no siguen una línea y muchas veces no se reconocen, o quizá sí que se puedan reconocer que son mías. Aunque no sea muy evidente supongo que hay algo que sí se mantiene constante. Hay en cambio otros joyeros que mantienen un estilo a lo largo de toda su trayectoria, no es mi caso”. Sí bien es cierto que sus intereses han ido variando con el tiempo, hay tres premisas que determinan sus piezas como características reconocibles: líneas bastante claras, buen acabado y ausencia o poca ornamentación, y en este último aspecto Serrano hace hincapié en la noción  de “menos es más”, idea sobre la que insiste a sus estudiantes al tratar el ornamento, pero sin caer en el funcionalismo puro ni en la geometría del  minimalismo.

Juego poético

Sus piezas más recientes han dado un giro, en la serie Paisajes de interior ha introducido nuevos elementos que las reconfiguran y abre nuevos aspectos en la concepción de la joya como arte, utiliza nuevas técnicas y ello también muestra su interés por la interdisciplinariedad. Algunas de las piezas presentan formas más orgánicas y una cierta textura en algunas de sus partes, contrastando con superficies más pulidas. Todas ellas incorporan una imagen realizada en transfer y aquí destaca su gran experiencia y conocimiento en gemología, son imágenes del interior de las gemas vistas a través del microscopio: “…lo que me interesa es lo que hay en el interior de las piedras, las inclusiones que podemos ver con lupa y con microscopio, que nos dicen cómo se ha formado aquel mineral, si es natural, si es artificial, si es natural pero lo han modificado de alguna manera, hay muchas marcas que deja la naturaleza dentro de la piedra y esto es una cosa que siempre me ha interesado mucho. Estas joyas tienen imágenes de estas gemas vistas al microscopio, de alguna manera la gema está sin estar ya que solo vemos la imagen de lo que hay en su interior”. Serrano se abre al mundo y lo ofrece sin medias tintas, quiere que el espectador vea aquello que ella tiene el privilegio de ver: “…es mostrar a la gente algo que yo puedo ver cada día y la mayoría desconoce”. Y efectivamente, las imágenes son como paisajes, pero también dan paso a la evocación poética e imaginativa de formas extrañas e imágenes que aparecen como prefiguraciones, como algo que está  en proceso de formación.

Serrano intensifica la visualidad, empuja al espectador a agudizar la mirada y a preguntarse qué está viendo. Desentrañar el simulacro y lo aparente ha sido condición y voluntad de algunos creadores desde hace décadas. Mostrar los mecanismos subyacentes a la construcción de la obra, desvelar los recursos representacionales o desmontar estructuras han caracterizado una parte de la producción artística, han tratado de desvelar lo que no podemos percibir directamente con el fin de ofrecernos nuevas narrativas.

Bien se pueden inscribir sus piezas en este sentido, pero dado que ha recurrido a la tecnología óptica también podemos preguntarnos si la tecnología visual amplia la realidad como un apéndice de nuestro cuerpo que nos permite apreciar aquello que nos estaba negado antes de su desarrollo -quizá, también como una especie de cirugía- o nos  abre a la creación de mundos como un nuevo artificio. La ambigüedad de las imágenes nos enfrenta a la paradoja de lo real en lo confuso, dicho de otro modo: lo borroso, indeterminado, impreciso, eso es lo real.

Otro aspecto interesante es cómo se posiciona frente al mundo de las gemas aplicadas a la joyería. Aunque no hay una voluntad abiertamente crítica en su uso, Serrano considera que las gemas, mal llamadas piedras preciosas: “…tienen un punto esnob y mercantilista, están claramente vinculadas al lujo y a cierta gente no le cuadra que me interesen unas cosas tan superfluas”, pero al partir de su aspecto al microscopio le da vuelta a valores bastantes subjetivos infundidos a ciertas gemas como los diamantes, rubíes o zafiros, cuyo atractivo tiene mucho de moda y tradición cultural.

“Paisaje de zafiro” © Cortesía de Sònia Serrano

Artista y artesano

Respecto a su actividad dentro de la joyería contemporánea aparece de nuevo el debate entre artista y artesano. La noción de arte dentro de la joyería parece imprimir a las piezas y a la actividad un nuevo sentido que tiende a la aspiración de superar la infravaloración histórica de la artesanía. Este anhelo es absolutamente legítimo y como se apuntaba al principio la joyería ha experimentado una revolución en todos sus aspectos con la producción de piezas y líneas de trabajo imaginativas y rompedoras. Pero Serrano no entiende su propia actividad como exclusivamente artística: “…no me considero artista, no me he considerado nunca como tal, me da un poco de alergia la palabra artista. Los joyeros a veces quieren que se reconozca que lo que hacen es arte, lo que yo hago será arte para unos y para otros será artesanía, pero a mí me da igual. Yo me siento bien haciéndolo. ¿Si soy una buena artesana? Si alguien me reconociera este mérito estaría muy satisfecha. Debo decir que en el mundo de la joyería contemporánea hay algunos egos muy grandes con una formación un tanto reducida. Primero has de tener referentes, conocer la obra de pintores, escultores, fotógrafos o arquitectos, y saber también qué se está haciendo en el arte actual. Además, para mí es importante la interdisciplinariedad. No hago videoarte o instalaciones, pero me gusta verlas, creo que es importante conocer otras disciplinas. De todo esto relacionas y analizas otras cosas y ello hace que tu obra pueda ser más interesante. Pienso que la joyería es un tanto endogámica, un mundo en el que todos nos conocemos y donde sin querer acabamos haciendo joyas para otros joyeros. A las exposiciones de joyería contemporánea básicamente asisten otros joyeros, es necesaria una apertura, que se conozca más lo que hacemos y abrirnos más a nuestro entorno”.

Las tipologías en las que trabaja Serrano en sus últimas series son el colgante y el broche, piezas que permiten una mayor experimentación: “…tienes más espacio y es un poco más neutro, se entiende como el lienzo del pintor, tienes ese espacio en blanco donde empezar a trabajar”. Son las tipologías más comunes en la joyería contemporánea de carácter más artístico, mientras que los anillos y pendientes: “… podría decirse que están mal vistos por ser demasiado utilitarios y comerciales y porque además tienes menos espacio para hacer cosas”. El broche también se ha convertido en un tipo de pieza más unisex dentro de la joyería contemporánea y como pieza única: “…lo llevan indistintamente hombres y mujeres sobre todo en centro Europa o los países nórdicos, aunque en España no tiene demasiado éxito”. Al mismo tiempo le permite desarrollar el volumen y experimentar con las texturas.

“Paisaje de cuarzo 1″ © Cortesía de Sònia Serrano

Objetos deseables

Las joyas son utilizadas desde los orígenes de la humanidad mucho antes de la orfebrería y el uso de gemas y sus funciones son variadas, desde el prestigio y distinción de un estatus social, a su valor como inversión y acumulación de riqueza, pueden tener una gran carga simbólica con un valor emocional, religioso o mágico, o ser distintivas de un rol social, una moda o el gusto estético personal. Serrano entiende que la joyería contemporánea como pieza única también entraña otro sentido diferente: “… tú compras aquella pieza de aquel autor porque te transmite algo. La joyería tiene algo de objeto deseable que es muy interesante. A menudo trabajo el tema del tacto, para mí el uso de la joya como talismán es importante. Estuve trabajando mucho con porcelanas que son muy agradables al tacto y con resinas que son piezas grandes que puedes llevar en el dedo e irlas tocando, o llevarlas en el bolsillo e ir jugando con ellas. Trabajo mucho la calidad de las superficies, trato de generar objetos que dé gusto tener en las manos, que dé gusto tocar. Son pequeños objetos de deseo, pero no solamente por su valor económico, creo que eso cada vez es menos importante. Afortunadamente la gente ya está valorando otras cosas”.

La joya tiene múltiples funciones para quien la adquiere y ya no es solo un objeto llevable a la vista de todo el mundo; La pieza se convierte en un juego de placer para quien la realiza y para quien la posee. Las joyas de Serrano en el contexto de la joyería artística se pueden situar, sin duda, entre ese deseo, el buen hacer y su cualidad narrativa: evocadora.

“Paisaje de cuarzo 3″ © Cortesía de Sònia Serrano

Las joyas de Ramón Puig Cuyàs sorprenden por la combinación de elementos figurativos con una exquisita sensibilidad por las características físicas de los materiales, de los colores y de las formas. Producen un tipo de fascinación que en algunos momentos puede evocar los paisajes oníricos de Max Ernst o las delicadas composiciones de Paul Klee. Ramón Puig Cuyàs es uno de los protagonistas fundamentales de la transformación espectacular que ha sufrido este arte en los últimos tiempos tanto en la construcción de las joyas como en la pedagogía. Nos encontramos con él en la Escola Massana de Barcelona, de la que fue alumno y donde es profesor desde los años setenta.

Antonio Ontañón: ¿Cómo se desarrolló tu interés por la joyería?

Ramón Puig: Yo vine a la Massana para convertirme en artista, orientado en un principio hacia la pintura, pero al conocer las posibilidades de la joyería por la influencia del profesor Manel Capdevila decidí seguir ese camino. Se puede decir que el fue el fundador de la sección de joyería y aunque estuvo poco tiempo, dejó una estela muy marcada que yo seguí. Manel Capdevila fue uno de los pioneros de la joyería contemporánea. En la época de la posguerra hizo un tipo de joyas para la burguesía pero para la parte de la burguesía que había perdido la guerra civil. Utilizaba materiales sencillos y naturales como los pequeños cantos rodados de los ríos, por ejemplo, que contrastaban con las joyas de los “ganadores” de la guerra civil: joyas clásicas y ampulosas de oro y piedras preciosas hechas para representar un estatus social. (Las joyerías de Paseo de Gracia) Además, Manel Capdevila fue el primero en contactar con la escuela de Pfzorheim en Alemania, que se había convertido en un centro de irradiación hacia toda Europa en la renovación en la joyería y organizó aquí, en la Capella (calle Hospital) una exposición de sus trabajos. Manel Capdevila supo plasmar en las joyas su experiencia estética como pintor. Si hubiera sido alemán se habría convertido en una de las referencias internacionales, pero aquí no había ninguna plataforma de difusión, más allá de su propio taller. Cuando yo empecé a finales de los sesenta también había otro grupo cuyo trabajo se denominaba “joyería de diseño” formado entre otros por . Aunque al incorporarme yo se estaba diluyendo su voluntad de incidir en la sociedad. También tengo que reconocer la importancia de las joyas de Manolo Hugué, el noucentista, que aunque estaban hechas mucho antes, en aquel momento tuvieron influencia y representaba una forma de entender la joyería mucho más próxima a las artes plásticas que al diseño. También me influyó el trabajo de Juli González, el joyero que luego fue escultor…

A.O.: Y que inició un camino nuevo en la escultura contemporánea al aplicar la técnica de la joyería de utilizar fragmentos metálicos soldados entre sí.

R.P.: Efectivamente. Estas fueron mis influencias. Después dejé la Massana en el 74 y volví en el 78 cuando la profesora Ana Font me llamó para sustituirla en las clases de proyectos de la sección de joyería. Ella conocía mi trabajo, aunque yo había ido poco a sus clases por lo cual le estoy muy agradecido. A partir de entonces yo asumí ese trabajo hasta ahora… con la referencia en aquel momento de la escuela alemana que comentábamos antes. En este sentido, dentro del movimiento general de renovación de la joyería que se inicia después de la II Guerra Mundial, yo me considero del final de la segunda generación, con referencias a artistas alemanes como Herman Jünger y Reinhold, por ejemplo. Creo que se puede decir que la primera generación de posguerra (Manel Capdevila) hizo una gran labor de transformación formal de la joyería. Nosotros, la segunda generación, introdujimos además unos materiales nunca utilizados hasta entonces y reivindicamos la artesanía. La generación que viene detrás de mí, la tercera, podríamos decir, se libera también de esta admiración por la artesanía y en ocasiones acepta formas de producción seriada, se mezcla con la bisutería, con el diseño y con otras formas expresivas.

A.O.: ¿Cómo es el mundo de la joyería contemporánea?

R.P.: Sobre todo es un mundo muy pequeño: entre los artistas, los galeristas, los coleccionistas y los clientes somos muy pocos. El otro mundo, el de la joyería convencional, nos desprecia olímpicamente, porque es un mundo extremadamente conservador por dos razones: el material con el que trabajan es muy caro y se niegan a experimentar con el. Por otro lado sus clientes, gente muy adinerada, también es muy conservadora y lo que le interesa básicamente es el valor del oro y las piedras preciosas. Es tan conservador que muchos talleres están desapareciendo. También es cierto que la joyería contemporánea refleja los contenidos de los grandes movimientos sociales de los años sesenta y setenta con su afán liberador, anticonvencional, anticapitalista y su deseo de ir hacia una sociedad más natural. Por esto se reivindicó de una manera muy clara el trabajo artesanal aplicado a la joyería. Desde el punto de vista de los materiales no había todavía una visión ética, como la que hay ahora, que denuncia la explotación de los materiales preciosos en origen, pero sí que se empezó a plantear la pregunta del valor de los materiales, ¿por qué un material como el metacrilato no podías utilizarse para la joyería? ¿por qué todo tenía que ser de oro?

A.O.: ¿En qué otros aspectos se relacionaba con su época?

R.P.: Es interesante observar cómo la joyería contemporánea reflejaba en Cataluña la oposición al franquismo ya desde los años cincuenta, como he comentado antes. Sin embargo en Europa era diferente ya que el fascismo había sido derrotado y los valores de la nueva joyería de alguna manera estaban representados en la cultura de los nuevos gobiernos socialdemócratas alemanes. Esto hizo posible que estos valores tuvieran una buena acogida y una gran difusión.

Broche ‘Art Longa’, 2008.
Serie Esguards (Miradas).
Plata, alpaca, plástico, resina de epoxi, hueso, nácar y perla. 75 x 50 x 8 mm.

A.O.: ¿Podrías hablar de las características estéticas de tus obras?

R.P.: Entre los joyeros contemporáneos se puede hacer una división entre los que conciben sus piezas como elementos tridimensionales, escultóricos, y los que las conciben como elementos pictóricos, que tienden a las dos dimensiones. Yo me considero de los segundos. Además, a lo largo del tiempo mis piezas han cambiado mucho. Yo no tengo esa estabilidad formal que para muchos artistas consiste la base de su estilo, de fácil reconocimiento. Últimamente observo, sin embargo, que me voy acercando a esa dimensión arquitectónica que hasta ahora no había trabajado. Es cierto, por otra parte, que en mis joyas los aspectos narrativos siempre han estado matizados por un interés fuerte en los valores estéticos de la forma. Los joyeros construimos las formas. Es un proceso más de construcción que de modelado, como hemos comentado antes con Juli González. Para mí el proceso de trabajo en el que intervienen tantos materiales y formas diversos se convierte en una metáfora de armonía que creo que siempre ha estado presente independientemente de los temas elegidos. También es una forma de plasmar la multiplicidad de significados del contenido de la joya.

A.O.: El artista cubano Carlos Garaicoa tiene una instalación denominada “Las joyas de la corona” compuesta por una serie de broches de plata que representan a escala edificios reales en los que se ha practicado la tortura o se ha atentado contra los derechos humanos: los barracones de Guantánamo, el estadio de Santiago de Chile, La escuela de mecánica de la armada en Argentina, el Pentágono, etc. ¿Este aspecto político de implicación por los derechos humanos se da mucho en la joyería contemporánea?

R.P.: Sí que se da esta formalización abiertamente política. Pero creo que ya en la misma elección de esta forma de joyería “pobre” contrapuesta a la tradicional, experimental, con muy poca salida comercial ya hay una toma de postura “política” si la quieres llamar así. También hay que decir que cuando yo empecé quizá estaba más presente esta inquietud que ahora, cuando la joyería contemporánea ha encontrado un espacio propio, que es pequeño, pero es propio.

A.O.: ¿Se puede decir que la joyería sigue siendo pensada para que la lleven las mujeres?

R.P.: No, claramente. La joyería contemporánea no tiene género. En Chicago conocí un caso extraordinario de un coleccionista que le encantaba llevar puestas piezas de su colección, algunas muy grandes y llamativas, y era coronel del ejército norteamericano en activo. Esto refleja el cambio de los roles sociales de los hombres y las mujeres en el mundo contemporáneo. Un aspecto muy atractivo de la joyería es su cercanía al cuerpo, lo cual puede ser una ventaja en relación con las demás artes porque algunas personas que pueden sentirse lejanas al arte contemporáneo, sin embargo tienen una reacción positiva hacia las joyas. Y la prueba de ello es que muchos de los clientes de las joyerías contemporáneas no son especialistas o coleccionistas, son, simplemente, personas sensibles que se sienten atraídas por unas determinadas piezas que quieren llevar puestas, sin más pretensiones.

A.O.: Sobre la relación entre joya y cuerpo humano crees que el fenómeno del piercing se puede incluir dentro de este apartado o no tiene nada que ver.

R.P.: No creo que tenga ninguna relación con la joyería. Aunque me interesan todos los fenómenos sociales en relación con la antropología, creo que el caso de las personas que se colocan un piercing es simplemente una forma de afirmación de grupo. Además, este fenómeno, como el del tatuaje, está fuera de lugar porque los que se tatuaban eran los antiguos habitantes de los países tropicales que al ir semidesnudos, su única forma de embellecer su cuerpo era mediante el tatuaje o practicando incisiones en las orejas u otras partes del cuerpo. En nuestro entorno puede tener un contenido de rechazo de lo convencional, aunque me parece curiosa la gente que va tatuada y con la ropa encima, con lo que es imposible lucir el tatuaje. En cualquier caso repito que no tiene nada que ver con la joyería. Sin embargo, me gusta una frase que dice que la joyería “amplifica las identidades” y quizá en ese sentido se pueda encontrar una relación.

Broche, 2010.
Serie Imago Mundi, ‘Aspice et aspicios’.
Plata, plástico, papel con resina, alpaca, ónice, perla. 70 x 60 x 15 mm.

A.O.: ¿Cuál es la relación de la joyería contemporánea con la bisutería?

R.P.: La bisutería, al trabajar con materiales baratos, siempre se ha mostrado muy receptiva a los experimentos de la joyería contemporánea. Además las fronteras entre joyería y bisutería son muy difusas porque hay joyeros en la actualidad que no son partidarios de la idea “clásica” de autoría, de pieza única, típica del artesano, y prefieren hacer piezas seriadas y además, baratas, para que mucha gente pueda acceder a ellas, con lo que las fronteras se difuminan. En cualquier caso la diferencia no es muy importante. Lo que es importante es que esté hecha con la sensibilidad contemporánea, reflejo de su época, de su contexto cultural y artístico. Sin embargo, hay un aspecto que sí me interesa de la diferencia entre la joyería y otras “artes aplicadas” como la cerámica, por ejemplo, que es el de que la joyería, incluso la más contemporánea, no ha perdido su función primigenia. La cerámica en Europa ya no se usa casi como vasija para beber, pero cuando alguien compra una joya lo sigue haciendo exactamente con la misma función que lo hacía en los siglos pasados y la cargan con unos valores y con unos sentimientos que también son parecidos a los del pasado. Además esa idea de subvertir los valores a través de los materiales es también para establecer puentes con lo antiguo y con toda esa carga emocional.

A.O.: ¿La persona que lleva la joya la dota de un nuevo significado?

R.P.: El autor hace sus piezas, como el artista hace sus obras de arte, pero no controla en absoluto el significado que los compradores le darán. En Canadá un señor que padecía un cáncer terminal compró una de mis joyas para hacerle a su ahijada un regalo de despedida y ella, abrumada por esta carga simbólica, me pidió una caja porque no se atrevía a ponérsela. En otras ocasiones he tenido la experiencia de ver piezas mías llevadas por personas desconocidas para mí y ser capaz de reconocer la joya pero sentirme completamente ajeno a ella. Y en concreto una chica vietnamita me comentó que la razón de llevar una de mis joyas era la de ser budista y que esa pieza reflejaba aspectos de esa religión. Sin embargo yo recordaba claramente, que para mí, cuando la hice, reflejaba mi experiencia como padre reciente e incluso se podía ver la forma de un niño en una playa. En joyería, los compradores no tienen tantos problemas para dotar de nuevos significados a las obras como en las otras artes. Además, en muchas ocasiones, con las joyas antiguas, no había demasiado reparo en fundir el oro y separar las piedras preciosas y volver a hacer otra joya diferente con la estética del momento. Para mí es un valor muy importante cómo las personas se hacen propietarias de las piezas y las dotan de nuevos significados. Aunque en un principio las vean como obras de arte importantes, con mucha carga de autoría, susceptibles de estar en exposiciones, como cualquier otra obra de arte, en el momento en el que las empiezan a llevar puestas se las apropian, las dotan de nuevos significados y las separan definitivamente de su autor. Entonces cuando las veo, se que han dejado de ser mías y tengo un sentimiento muy inquietante. De alguna manera se completa la metáfora a la que hacía referencia antes de la joya como construcción como ensamblaje de piezas. Los compradores añaden a esa construcción nuevos elementos significativos, no visuales, que contribuyen a la construcción de la obra.

A.O.: Para acabar: ¿en qué estado se encuentran los canales de exhibición y venta de la joyería contemporánea?

R.P.: Una característica del pequeño mundo de la joyería al que hacía referencia al principio es precisamente que a pesar de su pequeño tamaño es global en el sentido que puede interesar a una parte de la gente en lugares muy diferentes del mundo occidental. Además, la manera de aprendizaje es similar, a través de los estudios superiores, no de los talleres de artesanos, que es el lugar de transmisión de la joyería tradicional. Sin embargo, también hay que tener en cuenta que la práctica y la difusión de la joyería contemporánea están mucho más arraigadas en los países del norte de Europa que en los del sur.

A.O.: ¿Por qué?

R.P.: Habría que decir que el caso de Cataluña es un poco diferente al del resto de España, en el sentido que existe un espacio para la joyería contemporánea, pero se puede afirmar que en los países de tradición católica y con mucha influencia árabe, como el Sur de Italia y Andalucía, por ejemplo, la tradición de la joyería en oro es tan fuerte que no deja demasiado espacio para la nueva joyería. En estos lugares todavía está muy arraigada la idea de asociar el oro con la única forma de acumulación de riqueza y con la ostentación. Por ejemplo, para una cultura de tradición nómada, aunque sea muy lejana en el tiempo, el oro, que se llevaba encima, como un bien mueble, era la única manera de acumular riqueza. También es importante el aspecto de la ostentación del oro. En el norte de Europa es más difícil encontrar hombres que utilicen los ostentosos relojes con cadena y esfera de oro, tipo Rolex, que en el sur. En cualquier caso, pienso que más allá de las transformaciones formales y de materiales y de la transmisión de nuevos valores, la joyería contemporánea está en un momento en el que lo que necesita es la “normalización” de los canales de exhibición y venta e insertarse en la sociedad como una manifestación más de la cultura contemporánea.

A.O.: ¿Qué lugar ocupa tu trabajo en relación con los principales centros de transformación de la joyería en Alemania?

R.P.: Creo que en parte es cierto el tópico de que la nueva joyería alemana tiende a la geometrización (de tradición bauhasiana) y a una elevada perfección técnica. Yo no encajaba muy bien en este esquema. Antes he comentado que mi lugar ha estado al final de la segunda generación de joyeros en este largo proceso de transformación. A los ojos de los joyeros del norte, los pocos joyeros del sur que estábamos comprometidos con esta transformación pero que tampoco encajábamos perfectamente en sus esquemas al practicar una obra más narrativa, más figurativa, más libre, nos aceptaban, pero nos veían un poco como la excepción de la regla. Tanto de su regla, como de la nuestra.

Broche, 2010.
Serie Arquitecturas sutiles, s/t.
Alpaca. 70 x 80 x 20 mm.