Patricia Reed es una artista canadiense que trabaja y vive en Alemania. Reed sostiene que su trabajo tanto plástico como textual se centra en el análisis de “la contingencia de la normalidad”. Tal y como la artista sostiene, la “normalidad” sólo puede ser aprehendida como una realidad dada a través del consenso social, y precisamente por eso entiende que este consenso es maleable.
Reed está titulada por la Concordia University de Montreal y es MA en comunicación por la European Graduate School de Suiza. Su trabajo ha sido expuesto entre otros en el Haus der Kulturen der Welt (Berlín, 2012); Kunsthaus Langenthal (Suiza, 2012); Program (Berlín, 2011); Württembergische Kunstverein (Stuttgart, 2010); Botkyrka Konsthall (Estocolmo, 2010); Limerick Art Gallery, (Limerick, 2010); Audain Gallery (Vancouver, 2010); 0047 Project Space (Oslo, 2010); Plateforme (París, 2010) y en la Galerie Sans Nom (Canadá, 2010).

Pan-Nacional Flag es el resultado de la acumulación de todas las estructuras lineales o vectoriales de los emblemas extraídos de las banderas de aquellos territorios reconocidos internacionalmente como Estado-nación. Los diseños vectoriales apropiados de las iconografías nacionales se acumulan en una impresión sobre tejido, construida como bandera, generando un embrollo gráfico, que juega el papel de metáfora de la complejidad de la ideología del Estado-nación. Para reforzar este concepto conciso y potente, Reed produce su pieza con la forma, dimensiones (250 cm. x 150 cm.) y características de una bandera auténtica, que sin embargo carece de la característica última de toda bandera: la identificación precisa del territorio o grupo social al que representa. Por el contrario, la bandera “pan-nacional” de Reed teje un nudo de identidades entremezcladas, generando casi una red, una retícula que nos remite a una gráfica de personas interconectadas, de telecomunicaciones entre diferentes puntos del mundo, de conexiones, de redes. Y es quizá esta idea la que quiere compartir Patricia Reed, la de un mundo interconectado, fundamentalmente mestizo, donde las identidades son cada vez más complejas y menos definidas, en el cual migramos y nos movemos constantemente, interactuamos y compartimos. Y quién mejor para hablar de esto que Patricia Reed, que desde que reside en Berlín firma sus obras con el que ha elegido como su nombre alemán: Pia Fuchs.

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© Patricia Reed

Daniela Ortiz es una artista peruana que trabaja y reside en Barcelona. Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, y también ha participado en seminarios y talleres con Beatriz Preciado, Marcelo Expósito, Santiago Sierra, Alberto Lopez Bargados, Rogelio Lopez Cuenca, Raimond Chavez, Yoshua Okón, Martí Perán, Rirkrit Tiravanija, Josep María Martí y Natalia Iguíñiz, entre otros. Su trabajo ha sido expuesto en Barcelona, Terrassa, Granollers, Los Ángeles, Zaragoza, Madrid, Mataró, La Habana y Lima.

97 empleadas domésticas

Como señala Marcelo Expósito, el trabajo de Daniela Ortiz puede considerarse en parte vinculado a la recuperación que desde los últimos años se ha venido proponiendo del periodo histórico de las prácticas conceptualistas ‘del Sur’. En mi opinión, uno de los trabajos más punzantes e interesantes de Ortiz es este 97 empleadas domésticas que desarrolló en 2010 y que convirtió en exposición y publicación gracias a la convocatoria de 2010 de proyectos de la Sala d’Art Jove de la Secretaria de la Joventut de la Generalitat de Catalunya.

El trabajo impreso, que actualmente reviso gracias a la cortesía de la propia artista, es una edición humilde pero potente, de 500 ejemplares, que reúne una colección de 97 fotografías apropiadas de las redes sociales de diversas familias acomodadas de Lima (Perú). Al finalizar el recorrido por las imágenes, tal y como pasara con la exposición, uno tiene idea de haber visto todo lo que la imagen podía ofrecer, sin embargo, no es así. El título, colocado deliberadamente al final de la serie fotográfica y ausente en la portada por la misma razón, nos da pistas de que no hemos visto lo que Expósito llamara el inconsciente óptico. Hemos visto un desfile de escenas familiares, de fiestas, cenas, almuerzos, reuniones, momento especiales, otros banales de diversas familias acomodadas y diferencialmente caucásicas, pero no hemos visto a las 97 mujeres que dan título al proyecto: las empleadas del hogar de estas familias. La segunda lectura nos conducirá a percibir a las mujeres, de rasgos ‘indígenas’, vestidas con uniformes de trabajo ciertamente trasnochados, siempre en un segundo plano, o cortadas por el encuadre, o apenas en forma de fragmento: un trozo de pierna, apenas sus manos, quizá un brazo que entra en la escena.

Os invito a que sigáis la trayectoria de Daniela Ortiz en su propia web, y que estéis atentos al número 5 de Situaciones impreso, ya que contaremos con la presencia de la artista en la conversación central que en este número realizamos junto a Nora Ancarola.

↑ Dos de las noventa y siete fotos que conforman la edición y la exposición | © Daniela Ortiz, 2010

Andrés Bedoya es un artista boliviano que trabaja entre La Paz y Nueva York. Es Bachelor en Bellas Artes por la University of Texas at Austin. Ha expuesto en el Abrons Arts Center de Nueva York, en el Museo Nacional de Arte de La Paz y en el Austin Museum of Modern Art, entre otros. Además ha curado exposiciones como ‘Brooklyn is Burning’ en el PS1 de Nueva York.

Ultra Madre

La Instalación Ultra Madre fue presentada originalmente en el patio del Museo nacional de Arte de La Paz (Bolivia), en 2009. Esta pieza, tras un trabajo previo de dieciocho meses de estudios, documentación y fotografías, pretende recrear la muerte de la madre del artista, que aunque en una primera instancia habla de la pérdida como un duelo privado, acaba extendiéndose a una experiencia colectiva.
Utilizando como escenario el arco principal del patio del Museo, y mediante la colocación de un andamio de madera y acero, Bedoya situa a cincuenta y siete mujeres interrumpiendo la arquitectura en sus planos tanto físico como funcional durante una hora. El andamio ayuda a distribuir al más de medio centenar de mujeres tumbadas en diferentes niveles a lo largo de los más de cuatro metros y medio de altura del arco, dejando sus largos cabellos colgando.

Las participantes, escogidas tras un casting, son las conocidas cholitas, mujeres indígenas urbanas, cuyas características diferenciadoras residen en sus ropas y sus cabellos especialmente largos, recogidos en dos trenzas. Al liberar sus cabellos y mostrarlo públicamente suelto – cosa que solo ocurre cuando lo lavan o lo vuelven a trenzar -, las mujeres indígenas  permiten al espectador acceder a un espacio privado. Además  generan una confrontación entre la dureza arquitectónica frente a las formas orgánicas y suaves que refuerzan la idea de lo no permanente, de lo efímero.

↑ Boceto para el proyecto ‘Ultra Madre’ | © Andrés Bedoya

↑ Casting para el proyecto ‘Ultra Madre’ | © Andrés Bedoya

↑ Preparativos del performance e instalación. Museo Nacional de Arte de La Paz | © Andrés Bedoya

↑ Performance e instalación. Museo Nacional de Arte de La Paz, 2009 | © Andrés Bedoya

↑ Detalle de la instalación | © Andrés Bedoya

Marta Burugorri (Pamplona/Iruñea, 1989) es Graduada Universitaria en Arte y Diseño por la Escola Massana / Universidad Autónoma de Barcelona y estudiante del Grado en Antropología Social y Cultural por la UNED. Terminó sus estudios artísticos en la Bezalel Academy of Arts and Design de Jerusalén gracias a una beca de la UAB. Como artista emergente trabaja en diversos proyectos audiovisuales algunos de los cuales han sido expuestos en centros como Sala d’Art Jove, La Capella o ACVic.

Shabbat Shalom

Shabbat Shalom es un proyecto que la artista Marta Burugorri realizó durante los cinco meses que permaneció en Jerusalén, acabando sus estudios de arte en la Bezalel Academy of Arts and Design. El contexto en el que se plantea esta propuesta es en la actual capital del Estado israelí, territorio en permanente disputa, y donde además se concentra el mayor porcentaje de judíos ultraortodoxos del país hebreo.

El Shabbat es considerado por la población creyente como el ‘día de descanso’, en clara referencia a la creación bíblica según la cual Dios construyó los cielos y la Tierra en seis días, descansando el séptimo. El Shabbat comienza cada viernes con la puesta del sol y termina con la aparición de tres estrellas en la noche del sábado. Es un periodo que, según la tradición, se ha de dedicar a la espiritualidad y al tiempo en familia. Además, según la tradición oral de la Ley judía, existen 39 categorías principales de trabajos (Avot Melajá) cuyas derivaciones (Toledot) están completamente prohibidas durante la festividad semanal.

Así, actividades como anudar, seleccionar, marcar, aplanar, demoler, construir, borrar, quemar, cocinar, bordar, hilar, peinar, amasar… no están permitidas. Hoy en día estas 39 actividades se han ramificado en muchas otras (Toledot) y el número de prohibiciones ha aumentado. De este modo, estarían prohibidas entre otras, acciones como subir a un árbol, presionar un botón, maquillarse, quitar manchas, desatar un nudo en más de un movimiento, cortarse las uñas o cambiar el agua del florero.

Para anunciar la entrada al tiempo del Shabbat y advertir del cese de todo tipo de trabajo, una estridente sirena, similar a las que se usan en casos de emergencias, suena por toda la ciudad durante poco más de un minuto, tiempo exacto que Marta Burugorri emplea para realizar todas las actividades que se prohibirán apenas unos segundos después. Durante este tiempo, con la suficiente atención, podemos apreciar los cánticos provenientes de la sinagoga, las oraciones que realizan los judíos antes de dirigirse hacia el muro de las lamentaciones y celebrar el que es su momento más importante de la semana.

La acción fue realizada y grabada en la entrada de la residencia provisional de la artista, situada en el centro de la ciudad de Jerusalén y por lo tanto, en un lugar donde el comienzo del Shabbat se percibe de una manera muy intensa.